この間の日曜のお昼すぎにぼーっとTVを眺めていたら「アタック25」で会津の「赤べこ」についての問題が出題されていました。”赤べこかぁ”とひとりごちながら、以前から調べようと調べようと思っていたことを調べてみることに。

それは英国のＲＳＯレコードのこのロゴ・マークについてです。どう見ても「赤べこ」。なんでイギリスのロックのレコード会社が日本の田舎のおもちゃである「赤べこ」なの？それともこれは「赤べこ」とは違う何かなのか。




早速、米ウィキで検索をかけると簡単に見つかっちゃいました。答えに行くそのまえにＲＳＯレコードについて簡単にご説明を。

ＲＳＯレコードはオーストラリア生まれのプロモーターであるロバート・スティグウッドがロックン・ロールとミュージカルのためのレコード会社として1973年3月にスタート81年までつづいた英国のレコード会社です。ロバートはクリームとビージーズのマネージャーを務めていたほか「ヘアー」や「ジーザス・クライスト・スパースター」といったロック・オペラの製作にかかわっており、会社設立時に所属していたのはビージーズ、エリック・クラプトン、イヴォン・エリマンといった縁故のあるミュージシャンたちでした。

レーベル最初のアルバムはおそらくはビージーズの『ライフ・イズ・ア・ティン・キャン』だと思われます。



国内盤の帯に「アレンジャーが替わり、レコーディングがアメリカに変わった意欲作！」というコピーが書かれていますが、このアルバムからしばらくアリフ・マーディンがプロデュースを担当することになります。アリフの起用はＲＳＯのアメリカでの販売元アトランティック（レーベルはアトコ）の社長アメット・アーティガンの示唆によるもののようで、アリフが英国で成功させた白人のファンキー・バンド＝アベレージ・ホワイト・バンドの成功の二番煎じを狙ったようです。

しかし、wikiによれば「マンネリ化した従来のストリングスサウンド（1967年～ステージではバックに30人編成から成るストリングス・オーケストラを付けていた）からリズム主体のファンキーなサウンドへと脱皮を図ったものの、ファンからは「売れるためにサウンドを変えた」と猛反発され、翌1974年のアルバム『ミスター・ナチュラル』も不発に終わる。」と思ったような結果は得られなかったようです。

しかし、どのみち人気は凋落気味でしたからオールド・ファンの意見は気にしてられないということなのかアリフのプロデュースは続き1975年のアルバム『メイン・コース』からシングルとなった「ジャイヴ・トーキン」が見事に全米NO.1を獲得しビージーズは完全復活をします。



一方のエリック・クラプトンもクリームでの栄光、デレク＆ドミノスでの成功の後ドラッグ禍に陥りキャリアを棒に振りそうになったところをピート・タウンゼントら友人の助けもありライヴへの復活を果たし、再起作が待たれている状況の中でのＲＳＯとの契約でした。



ロバートは気候の良いマイアミのクリテリア・スタジオを押さえ、ゴールデン・ビーチのオーシャン通りの一軒家をクラプトンに与えクラプトンにリラックスした状態でレコーディングに臨めるように万全の手配をします。そのかいあってかアルバムにさきがけてシングルカットされたボブ・マーリーのカバー「アイ・ショット・ザ・シェリフ」が見事に全米1位を獲得。そして素晴らしいレコーディング環境を手配してくれたローバートに対する謝辞の気持ちもあったのか、一軒家の番地をそのままタイトルにしたアルバム『461オーシャン・ブールバード』も全米1位（オリコンでも8位）を獲得と、こちらもビージーズ同様に完全復活を果たすこととなります。ロバート・スティグウッドって再生屋という感じですね。




大ヒットした「アイ・ショット・ザ・シェリフ」でクラプトンのボーカルように歌っているのがイヴォンヌ・エリマンでした。ハワイ生まれ、日本人の母と英国人の父をもつイヴォンヌは60年代末にロンドンに渡り生活のためにクラブで歌っているところをティム・ライスとアンドリュー・ロイド・ウェバーに見出され彼らの出世作である「ジーザス・クライスト・スパースター」でキリストに次ぐ重要な役柄であるマグダラのマリアに大抜擢され、「私はイエスがわからない」などのヒットを得ます。71年にブロードウェイで上演された際に後にＲＳＯの社長となるビル・オークスと恋に落ち結婚、その縁もあってかＲＳＯの所属となります。初期には大ヒットと呼べる曲はないのですが、クラプトン・バンドの歌姫として日本に紹介された『ライジン・サン』（日系ゆえのタイトル？）は選曲の良さもあって当時愛聴いたしました。



70年代半ば以降はなんといっても『サタディー・ナイト・フィバー』の大成功をきっかけに『グリース』『スパークル』『スターウォーズ帝国の逆襲』『ジェダイの復讐』『タイムズ・スクエア』『フェーム』といったサントラでの大ヒットも続き70年代に最も成功したレコード会社となります。

ところが順風満帆と思われたＲＳＯですが、78年、ビージーズとピーター・フウランプトンというスパースターを主役にした『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド』をオールスターキャストで映画化したのは良いのですが、これがとんでもない大ゴケとなり莫大な負債を抱え込むこととなります。その後ビージーズとも契約を巡って裁判沙汰になるなどゴタゴタが続きヒット作も減っていきます。そんなことで嫌気がさしたのかロバートは81年にはＲＳＯから手をひいてしまいます。忘れていましたが、ＲＳＯという会社名はロバート・スティッグウッド・オーガナイゼーションの略でもちろんロバートあっての会社ということで船頭を失くした船は後は沈むのみということで83年にはポリグラムに吸収する形で会社はなくなります。



簡単にといいながらＲＳＯの説明が長くなってしまいましたが、何故レーベルのロゴが会津の「赤べこ」になったのかでしたね。

米ウィキを見ると2001年のビルボード誌へのインタヴューということで次のような内容のことをロバートが語っています。

私はザ・フーとともに日本に居て、インディーズのレコード会社としてのＲＳＯの立ち上げを決意していたんだ。デザイナーにレーベルのロゴを考えさせていたんだけど出てきたのはどれも気に入らなかったんだ。ある日本の友達が張り子の牛をくれたんだ。それは健康と幸運のシンボルなんだそうだ。私の書斎のマントルピースに置いていたんだけど、ある日思ったんだ「健康と幸運」こいつはいいぞと。それでＲＳＯのロゴに決まりさ。


元ネタは日本の友達からプレゼントされた「赤べこ」だったというわけですね。なるほどヤク中だったクラプトンが「健康」を取り戻し、全米NO.1の大ヒットという「幸運」を手にしたのは「赤べこ」のおかげだったというわけです。ロバートの狙いはぴたりと当たったというわけです、めでたしめでたし・・・・。


ちょっと、待ってください（byサンディ）、「私はザ・フーとともに日本に居て」ってザ・フーはついこないだまで来日したことがなく、未来日の最後の大物バンドあつかいだったじゃないですか？？？。ロバートの記憶違いなのでしょうが、じゃあ一体誰と一緒に日本にいたのか？はたまたその時に「赤べこ」をプレゼントした日本の友人は誰なのか？あらたな謎が、誰か教えて(笑)。



おまけ。

ほんといい選曲のアルバムだったんですよね『ライジング・サン』

ビーチボーイズがらみの小ネタです。



もうすぐ発売となる「ジェームス・ブラウン～最高の魂(ソウル)を持つ男～」のDVDを見本盤で観させていただきました。余談ですがこの副題はなんとかならんのでしょうか”最高の魂（ソウル）を持つ男”ってあまりにもありきたりすぎる気がします。原題は「GET ON UP」なのですから「ゲロッパ」とか・・・ってそんな邦画昔ありましたね。




映画の頭の方でジェームス・ブラウンがＴ.Ａ.Ｍ.Ｉ.ショウに出演するシーンが出てきます。

Ｔ.Ａ.Ｍ.Ｉ.ショウとは何ぞやという方のためにご説明を。

＞『The T.A.M.I. Show』（Teen Age Music International）は1964年10月29日に カリフォルニアのサンタモニカ市公会堂で行われたコンサートで、 出演アーティストはザ・ローリング・ストーンズ、ジェームス・ブラウン、ビーチ・ボーイズ、チャック・ベリー、マーヴィン・ゲイ、スモーキー・ロビンソン＆ザ・ミラクルズ、ダイアナ・ロス＆シュープリームスら、 ポピュラー・ミュージック史に残るレジェンドが勢ぞろい！
もともと若者向けに、テレビ番組で制作された公開コンサートで、その後、映画化。 日本でも1966年に『ビート・パレード』という邦題で公開されております。 モノクロ映像ではありますが、全盛期のJBとトリを務めたストーンズのパフォーマンスは必見です！歴史的瞬間をぜひ、DVDで目撃してください！ （ＨＭＶサイトより引用）

Ｔ.Ａ.Ｍ.Ｉ.ショウって「世界の10代の音楽ショー」って意味やったんですね。ご存知のように64年という年は全米デビューしたビートルズ旋風がアメリカの「10代の音楽」を席巻し、続々と英国のビート・グループがアメリカに上陸し世にいう「ブリティッシュ・インベイジョン」が起きた年でした。ということでもはや国内のミュージシャンだけではあきたらなくなっていた若者たちを満足させるために英国のバンドとアメリカのミュージシャンたちが競演するこのようなショウが企画されたということなのだと思います。




そうプロモーターからすれば、このＴ.Ａ.Ｍ.Ｉ.ショウのメインはブリティッシュ・インベイジョンの面々、中でも英国でビートルズに迫る勢いのローリング・ストーンズだったことは彼らがトリを務めていることでもあきらかで、そのルーツ筋というか先輩筋にあたるチャック・ベリーやジェームス・ブラウンもあくまで2番手3番手扱いだったということです。映画ではプロモーターのその辺の扱いに腹を立てるＪＢの姿が描かれています。





正確に言えばショウの直前の10/17付で㋈発売の「タイムズ・オン・マイ・サイド」が全米6位というヒットになっています。しかし、ＪＢにとっては自分たちの真似をしている白人のガキ共という気持ちがあったということを暗示させるための事実誤認じゃないかと思われます。

ボヤきながら歩くＪＢが楽屋の前を通り過ぎる習慣に空いているドアの奥に見覚えのある揃いの服を着た白人のバンドが映ります。



ペンドルトンのネルシャツを着た若者たちはもちろんビーチ・ボーイズですね。楽器を持ってリハをやっているように見受けられますが、実際はビーチボーイズの出番はＪＢの四つ前だったわけですからね。まぁ伝記映画とはいえいろいろ脚色をされているわけです。ついでに言えばこの時期のビーチ・ボーイズはもう結成当時のようにペンデルトンズではなくパブリック・イメージの縦じまのシャツを着ていてＴ.Ａ.Ｍ.Ｉ.ショウでももちろん衣装は縦じまシャツです。

The Beach Boys　＠　TAMI SHOW


Ｔ.Ａ.Ｍ.Ｉ.ショウでは全編でダンサーの女の子がタコ踊り、否、ゴーゴーやモンキー・ダンスを踊ってるのですが、マイク・ラヴのモンキー・ダンスが一番サルっぽいなと思いながら、初めてこの映画観たのを思い出します。

メンバー5人の姿が見えていますが、左手前がデニス、その向こうがベースを持っているのでブライアン、真ん中は小太りでギターもってるのでカール、右の奥の長身はマイク、そして手前は顔の感じからデビッド・マークス、と、ちょっと待ってよ、この頃はデビッドが抜けてアル・ジャーディンが戻ってきてるのでアルじゃなきゃいけないんですが、どう見てもデビッドにしか見えません。この辺も脚色か？

ところでこのシーンでＪＢは「単なるガキのグループだ、すぐ忘れ去られる」と吐き捨てているのですが、このセリフをビーチ・ボーイズに被せるあたり制作者の「悪意」とまではいかないイタズラ心を感じてしまったのですが・・・プロデューサーはミック・ジャガーかなるほど(笑)。


そして当のミックとストーンズの面々も映画に登場します。舞台のそででＪＢのステージを観ているのですが、ステージを終えたＪＢがそでへはける瞬間にストーンズをかき分けるようにしながら「ようこそアメリカへ」と吐き捨てて消えて行きます。



すれ違う瞬間、伏せ目がちにＪＢから思わず目をそらすストーンズの面々、「シロいお兄ちゃんたち、観たかい、こいつが黒いソウルってやつだぜ、憶えときな」といった全盛期のＪＢのステージに圧倒されたというシーンかな。ところで左端はミックなのでしょうが後の3人は誰なんでしょうね、ビーチ・ボーイズほどには似てねぇという気がします。

僕がＴ.Ａ.Ｍ.Ｉ.ショウを初めて観たのは80年代前半京都に居たころです。ライヴハウスの磔磔で上映会があることを知り、ストーンズやビーチ・ボーイズの動く姿が観れるということで勇んで出かけて行きました。まだＭＴＶもない時代でしたしとにかく洋楽の歌手の動く姿が観れる機会というのはとにかく貴重でした。とにかくのっけからチャック・ベリーが出てきてギター弾きながら中腰で片足を前に出しけんけんしながら進んでいく、”おおこれがかの有名なダック・ウォークか”とか、ミラクルズのバック3人の振り付けのスマートでクールなカッコよさとかとにかく目からウロコが落ちっぱなしでした。

でもそれもＪＢの登場のカッコよさに比べたら、まったく序の口といえるものでした。

James Brown & The Famous Flames - The Legendary TAMI Show Performance



そでから出てくるなり片足をひょいとあげ片足立ちになり、そのまま真横に滑るように移動していく、なにこれ、下半身がまるで別の生き物のような・・・、マイケル・ジャクソンのムーン・ウォークを初めて観たとき以上の驚きでした。

そして「プリーズ・プリーズ」。歌の途中で思いっきりのシャウトで精根尽き果て膝からステージに崩れるＪＢにマントをはおらせそでに連れて行こうとするボビー・バード。ＪＢはいやいやをするように体を震わせマントを脱ぎ棄てふたたびマイクにしがみつきシャウト。そしてまた崩れ落ちマント・・・。それが何度も繰り返される。今だったら誰もが知っているマント・ショウですが、恥ずかしながら当時は全然知らず、何これ吉本新喜劇か？でもなんや分からんけどカッコいい。客席も大盛り上がりになっていますね、そりゃそうですこれがＪＢのカッコよさ。



この後、当日のお目当てのストーンズのライヴ・シーンとなるのですが、正直悪くはないのですがＪＢを観ちゃった後では、やはり本物とパチもんという感じは否めませんでした。でもアッと言う間に違った「本物」にはなるんですけどね、っていうのは個人的な意見ですけど。

Rolling Stones Live on the TAMI Show 1964


ビーチボーイズの小ネタのつもりがYOUTUBEの動画を見ているうちにあれもこれもとアップしてしまいました。

ところで、チャック・ベリーが「スウィート・リトル16」をやった後にビーチ・ボーイズが「サーフィンUSA」をやっちゃんてるんですけど、この時点でクレジットってどうなってたんでしたっけ？





追記

mazuさんがコメで教えてくれた「天使にラヴ・ソングを2」の中のウーピーによるマント・ショーのオマージュです。映画を見たはずなのですが記憶にありませんでした・・・。



オマージュと言えば思い出すのはジョン・クーガー時代のシングル「夜に泣いている」。




再度の追記；書き忘れていたことがありました。

ストーンズがＪＢを差し置いてトリになったことについて、キース・リチャーズは後のインタビューで、ＪＢの後というのは完全に間違いだったという発言をしているようです。そりゃそうですよね、でもストーンズの登場で始まる女子たちの黄色い歓声を目の当たりにしてＪＢも脅威は感じたんじゃないでしょうか。

Delta Dawn/ Helen Reddy


デルタ・ドーン
その花は何？
あの日まとっていたバラが
色褪せてしまったのね

あなたは言ったわね
ここで逢う約束なの
お空の上のお屋敷に連れてかれるのよ

彼女は41
彼女のパパは今もベイビーって呼ぶ
ブランズヴィルの人はみな
彼女は狂ってるっていう
スーツケースを抱えて
ダウンタウンを歩き回り
漆黒の髪の男を探し続けているから

若い頃は
デルタの夜明けと呼ばれていた
最高に可愛い女の人だったわ
やがてくだらない男が近寄ってきて
花嫁にする約束をしたの

デルタ・ドーン
その花は何？
あの日まとっていたバラが
色褪せてしまったのね

あなたは言ったわね
ここで逢う約束なの
お空の上のお屋敷に連れてかれるの





ＦＢのお友達がヘレン・レデイの「デルタの夜明け」をタイムラインにアップしていて懐かしく聴いたのですが、寄せられたコメントに

＞邦題は「デルタの夜明け」で、ニューオーリーンズかどこかの歌かと思ったら、女性の名前なんですよね。

というのがあるのを読んで、”えぇーそうだったの”ということで早速拙訳してみました。

「デルタの夜明けDelta Dawn」の本国での発売は1973年の6月ですから夏ごろには日本でも良くかかっていました。前年の「私は女 I Am Woman」もヒットしていたし、この頃ヘレン・レデイは日本でもけっこう人気があったように思います。「デルタの夜明け」はコリンズ・キッズというロカビリーのアイドル・グループの一員だったラリー・コリンズとソング・ライターのアレックス・ハーヴェイ（同名の人いましたね）の共作で、作者でもあるハーヴェイが71年の11月に発表したものがオリジナルです。


Delta Dawn - Alex Harvey - HQ Sound


オリジナルはいきなり”彼女は41歳”ってとこから始まってたんですね。男歌だったこともちょっと意外でした。

このオリジナル以降、いろんな人にカバーされて最終的にヘレン・レデイの全米1位にたどりつくのですが、その辺ちょっと面白いので米ウィキをもとに書いてみます。


ハーヴェイの「デルタの夜明け」の録音にバック・コーラスで参加していたトレイシー・ネルソンが曲を気に入りライヴのレパートリーに取り入れます。そしてＮＹのボトムラインでネルソンが歌うのを観たベット・ミドラーがこの曲を気に入りレパートリーに取り入れます。当時注目のシンガーだったミドラーはＮＢＣのバラエティ「トゥナイト・ショウ」で「デルタの夜明け」を歌います。それをたまたま観ていたのがタミー・ワイネットやジョージ・ジョーンズを育てたナッシュビルの大物プロデューサーであるビリー・シェリルで、ミドラーを「デルタの夜明け」でエピック・レコードからデビューさせようと声をかけます。

The Bette Midler Show - Delta Dawn


うまいですね。

しかしミドラーはすでにアトランティックと契約していたため当てが外れてしまいますが、「デルタの夜明け」をあきらめきれないシェリルは「The Happiest Girl In the Whole USA」という曲でデビューさせようとしていた天才少女歌手タニヤ・タッカーに急遽「デルタの夜明け」を歌わせシングル・デビューさせてしまいます。

13歳の天才歌手のデビュー曲で「アメリカで最高に幸せな女の子」という曲を歌わせようというのは、戦略としてそれなりに煉ったものだったと思うのですが、それをキャンセルして41歳のオールドミスの歌を13歳の少女にデビュー曲として歌わせるというのはあまりにも滅茶苦茶な気がしますが、それほどにシェリルが曲にほれ込んじゃったということなんでしょうね。

Tanya Tucker - Delta Dawn


タニヤ・タッカーって小節をまわしてますね(笑)

ともあれタッカーの歌う「デルタの夜明け」はカントリー・チャートで6位と新人歌手のデビューとしては成功だったといえるでしょう。ただしＰＯＰチャートでは72位とほとんど無視されてしまいます。余談ですが、なんでアメリカのチャートってカントリーでヒットしてＰＯＰでもヒットするものや、この曲のようにＰＯＰでは無視されてしまうものがあるんでしょうね。ちなみにヘレン・レデイのものはＰＯＰとアダルト・コンテンポラリーで1位ですがカントリーではノーエントリー、うーん。

閑話休題。ちなみに本来のデビュー曲だった「The Happiest Girl In the Whole USA」は作者であったドナ・ファーゴのデビュー曲に廻されます。ってことでファーゴは自作でデビューという幸運に恵まれ楽曲自体もカントリー・チャートで見事に1位、ＰＯＰちゃーとでも7位の大ヒットとなり、なんとその年のグラミーではカントリー部門のベスト女性歌手賞を受賞、まさにタイトル通り最高に幸福な女の子になったのでした。世の中面白いですね。


Donna Fargo - The Happiest Girl In the Whole USA




タッカーのヒットを聴いたヘレン・レデイのプロデューサーでもあったトム・カタラーノも曲を気に入りスタジオでバック・トラックを録音し歌手を探します。ここでレデイにとくるかと思いきやカタラーノがまず歌わせたのはバーブラ・ストレイサンドでした。ただストレイサンドは気に入らなかったのかレコードにはなっていないようです。そしてようやくヘレン・レデイにお鉢が廻ってきます。



ではタッカーが歌うきっかけとなったミドラーはどうしたかというと。デビュー・アルバム『アメリカが生んだ最後のシンガー The Divine Miss M』用の曲として録音され、アルバムからの2ndシングルとして発売されます。

Bette Midler/Delta　Dawn


いろいろ聴きましたがやっぱりミドラーのこのバージョンが最も説得力があるように感じます。

素晴らしいミドラーの歌だったのですが発売がレデイの2日後だったようで、ラジオ局にプロモーションしますがラジオ局はすでにレデイのバージョンをかけ始めており、ミドラーのシングルをかけるのを渋ったため、ではＢ面のアンドリュー・シスターズのカバー「ブギ・ウギ・ビューグル・ボーイ」をとプッシュしセカンド・プレスではＡ面Ｂ面をテレコにして再発し、前作の「踊ろよベイビー」の19位を越える8位という初のＴＯＰ10ヒットとなります。

Bette Midler as Delores De Lago: "Boogie Woogie Bugle Boy"


なんとも楽しい曲ですが、ここで「デルタの夜明け」ではなく「ブギ・ウギ・ビューグル・ボーイ」で成功したことが、初期のミドラーのイメージ、コンテンポラリーではなく懐古的というか、を決めてしまったんじゃないかという気もします。


こうして強力なライバルのなくなった、そしてタッカー版はＰＯＰでは無視されていたことも手伝って6月に発売された「デルタの夜明け」は8月にTOP10入りすると更に上昇を続け9月15日付で見事に全米1位を獲得することになります。めでたしめでたし。





さてお気づきの方もいらっしゃるかと思いますが、ミドラー版も歌詞はオリジナルと同じく”彼女は41歳”から始まっています。ってことはシェリルが聴いた「デルタの夜明け」の歌詞はオリジナルと同じだったはずで、タッカーに歌わせる際に変更したということですね。まぁ確かに13歳の少女がいきなり”彼女は41歳”って歌いだしたら「なんだなんだ」となってしまう気がしますもんね。

ヘレン・レデイにとっては2曲目のＮＯ,1ヒットということで人気歌手としての地位を不動のものにした曲でした。

ということで若くてきれいな頃に男に騙され、41歳になってもその男を待ち続ける哀れな女の姿を歌った「デルタの夜明け」という曲をめぐりタニヤ・タッカー、ドナ・ファーゴ、ベット・ミドラー、ヘレン・レデイという4人の女性の人生に少なからぬ影響が生まれます。単純なヒット曲じゃなかったんですね。

さて、ここからは完全に僕の妄想です。
ＤＥＬＴＡ　ＤＡＷＮというのが女性の名前だということを知った瞬間に頭にひらめいたのが、ひょっとしてこの曲と関係あるんじゃないかということでした。



真夏の朝のように可愛い
みんなあの娘をドーン（夜明け）と呼ぶ

ドーン
行っておしまい
僕は君にはふさわしくない
あぁドーン
彼の元へ行きな
君たちはお似合いだよ
つかまえるんだ
彼をつかまえるんだよ
考えなよ
彼がどんなに金持ちか
考えなよ
君がいるべき場所を
さぁ考えな
僕のような貧乏人といっしょの
未来がどんなものになるのかを
ドーン行くんだ
頼むから　行っておくれ
だけどほんとは
ここにいてほしい
ドーン行くんだ
頼むから　行っておくれ
ベイビー泣くなよ
これでいいんだよ・・・


自分の元から去っていった貧乏な恋人の事をあきらめいったんは金持ちの男と結ばれようとしたが、結局は恋人のことをあきらめきれず独り、恋人を探し歩いている間にオールド・ミスになってしまったドーンなんてね。いろいろ調べましたがｋの2曲を結ぶものは何もなさそうですが。

「悲しき朝焼けDawn（Go Away）」はフォーシーズンズの中でも最も好きな一曲なのですが、バディ・サルツマンのドラムがいいんですよね。身分不相応の恋人ドーンに「金持ちの男のところへ行きなよ」と歌うのをドラムで後押しして前へ前へと押しやるようなドラミングをしているのですが、2回ほどブレーキをかけるようなドラミングをします（アップした動画だと1：07あたり）。このドラムに主人公の男の子のほんとの気持ちが表れている気がして、いいドラムです。

Dawn go awayもDon't go awayにかけてあるんじゃないかとも思います。いい曲です。

マイク・ラヴによるホリディ・シーズン向けのシングル「（ユール・ネヴァー・ビー）アローン・オン・クリスマス・デイ」が発表されました。現在はダウンロードのみでマイク自身のレーベル「メレコ・レコーズ」より。CDの発売は未定みたいです。

それにしても、もろに「ビー・マイ・ベイビー」なイントロにブルース・ジョンストンに加えジェフリー・フォスケット、ジョン・カウシルという現ビーチ・ボーイズ・レギュラー・メンバーらのコーラスがかぶさってくるというポップス・ファンであればベタやなーと思いつつも顔がにやけてくるクリスマスらしい逸品になっていると思います。





「（ユール・ネヴァー・ビー）アローン・オン・クリスマス・デイ」は元々はクラシックの・ピアニストであるロン・アルトバッハとラヴがビーチ・ボーイズの1977年に発売する予定であったクリスマス・アルバムのために書いたものでした。ラヴとアルトバッハは長年の友で、78年のアルバム『M.I.U.アルバム』でも「シーズ・ガット・リズム」「ベルズ・オブ・パリス」（ブライアン、ラヴ、アルトバッハの共作）「ウィンズ・オブ・チェンジ」（アルトバッハ、エド・チュレジャの共作）というアルトバッハ絡みの曲が収録されていました。

ビーチ・ボーイズは「（ユール・ネヴァー・ビー）アローン・オン・クリスマス・デイ」のデモを含めアルバムの録音を行いはするのですが、結局発売はされず「アローン・オン・クリスマス・デイ」もお蔵入りとなってしまいます。この時の録音は1998年に『アルティメット・クリスマス』という63年のクリスマス・アルバムの再発時に未発表楽曲として数曲蔵出しされていますが、残念ながらその中に「アローン・オン・クリスマス・デイ」はありませんでした。でも、YOUTUBEで探したら77年のビーチボーイズによるテイクがアップされていました。

The Beach Boys - Alone On Christmas Day / 1977 Outtake


頭のキーボードがチープですが、途中からホーンも入ってちょっとソウルフルな感じで2015年版とはかなり印象が違います。

98年の『アルティメット・クリスマス』からも外されてしまい、マイク自身もこの曲のことをすっかり忘れていたみたいなのですが、今年始めのある日フランスのバンド、フェニックスからある連絡が入ります。今年のホリディ･シーズンに動画配信サービスのNetflixで放映されるソフィア・コッポラ製作、ビル・マーレイがホストを勤めるクリスマス・スペシャル「ア・ヴェリー・マーリー・クリスマス　A Very Murray Christmas」（親父ギャグなタイトルですね）に抜擢されクリスマス・ソングを歌うことになったが、ついてはマイク作の「アローン・オン・クリスマス・デイ」をカバーしたいので許可願えるだろうかというものでした。



余談ですがソフィア・コッポラとビル・マーレイのコンビといえば2003年の東京を舞台にした映画「ロスト・イン・トランスレーション」を思い出します。思えばスカちゃんとの出会いもその映画ででした・・・。

フェニックスからのリクエストはマイクに「アローン・オン・クリスマス・デイ」を思い出させただけでなく、放置されていた曲を完成させようという気にさせてくれました。そこで歌詞を修正しマイケル・ロイドにプロデュースとリアレンジを任せます。

「この曲は数奇で不思議だけど美しい歴史をたどったよ。フェニックスが曲をディグってくれて僕にインスパイアを与えてくれたことには感謝してるよ、おかげで36年前にスタートした何かに決着をつけることができた。マイケル・ロイドはトラックに現代的な新しい生命を吹き込んでくれた。僕たちは「グッド・ヴァイブレーション」の頃からの友達だけど、今回コラボできたことに感謝してるよ。ファンのみんなも特別な時のための歌から何かを感じ取ってくれたらと願うよ。」



「アローン・オン・クリスマス・デイ」のアートワークは5歳のマイクと妹のモーリンにクリスマスの物語を読んでいる祖母の写真が使われているのですが、マイク・ラヴって5歳の時から生意気そうで、三つ子の魂百までもならぬ五つ子の魂百までもという感じで笑えます。


ところで「アローン・オン・クリスマス・デイ」のイントロが「ビー・マイ・ベイビー」そっくりと書きましたが、思い起こせばマイクはかって「ビー・マイ・ベイビー」をカバーしたことがありました。81年の初めてのソロ・アルバム『ルッキン・バック・フォー・ラヴ』に収録され翌82年にはシングル・カットもされています。



80年代ということで致し方ないという気もしますが、なんともなめきったようなアレンジと歌ですね。「ビー・マイ・ベイビー」と言えばブライアン・ウィルソンにとっては最も大事な曲、それをマイクったら、だからブライアン・ファンから嫌われるんです。

シングルといえば、今回のシングルの前のシングルは2007年の「ハングリー・ハート」ということで8年ぶりの新曲（？）ということになります。そしてその前のシングルはやはりクリスマスものなのですが、タイトルは「サンタ・ゴーイング・トゥ・ココモ」、まったくトホホといいたくなります。

それを思えば今回の「アローン・オン・クリスマス・デイ」は奇蹟の一枚かもしれません。

今週の「あさが来た」より

新次郎：:あんたにはコレ（ピストル）ちょっと似合わへん
あさ：似合わへん？
新次郎：せや、こない硬いもん、あんたの武器はどっちかいうたらこの柔らかい（あさのほっぺをつまみながら）大福もちだす。
あさ：大福もち？そら、うちかて大福さんのほうが好きだすけど。大福もちでは相手に勝てません。
新次郎：せやろか、わて相撲で投げられた時も「ひぇー」思うたけど、あれよりも、こないあんたの柔らかいとこに触れるたんびに「あぁかな思うたけど、あれよりも、こないあんたの柔らかいとこに触れるたんびに「あぁかなわへんな」て、いつもそない思う。

相手負かしたろう思うて武器もつやろ、そしたら相手はそれに負けんようもっと強い武器をもって。そしたら、こっちはもっと強い武器を。って、こら太古の昔から、あほな男の考えるこっちゃ。

あさ：あぁ。
新次郎：あさは何もそない力づくの男の真似せんかて、あんたなりのやり方があんのと違ゃいますか？てな、力づくもようせんわてが言うのもあれだけどすけど。


そして今回もまたこの曲を。この曲が歌われること自体が「Funny」になる世界が来ることを想像しながら。そう「想像」も僕たち人間の「あんたなりのやり方」のひとつだから。



邪悪な世界を歩く
気狂いじみた闇の中　光を求めて
望みは全て消えてしまったのか自分でも分からない
苦痛と拷問と不幸しかないのだろうか

こんな気持ちになるたびに
僕が知りたいことはたったひとつ
平和と愛と理解　そんなにおかしいことなのかい
平和と愛と理解　そんなにおかしいことなのかい

トラブルばかりの時代を歩く
時には魂も落ち込んでしまうこともあるさ　時には
どこに歌はあるのか　誰が信用できるのか
どこにハーモニーはあるのか　優しいハーモニーは

すべり落ちてしまいそうな気持ちになるたびに
泣きたくなってしまう
平和と愛と理解　そんなにおかしいことなのかい
平和と愛と理解　そんなにおかしいことなのかい

平和でなきゃいけないよ
もっと平和と愛を
次の世代の子供たちのためなんだ
どこに歌はあるのか　誰が信用できるのか
どこにハーモニーはあるのか　優しいハーモニーは

すべり落ちてしまいそうな気持ちになるたびに
泣きたくなってしまう
平和と愛と理解　そんなにおかしいことなのかい
平和と愛と理解　そんなにおかしいことなのかい

P.F.スローンの訃報に接し、いろいろスローンのことを検索しているのですが、上のような記事がヒットしました。

⇒こんなへたくそな歌手に、これほどつまらん歌詞をつけられてリメイクされていると知ったら？

記事はスローンの死後ではなく今年の9月11日に書かれています。もちろん、ワールドセンター・ビルへのテロが行われた日ということでプロテスト・ソングである「明日なき世界」を取り上げたのであろうが、この歌が冷戦時代に日本でも高石ともやによってほぼ直訳の日本語誌がつけられて歌われていたこと、そしてその約20年後には高石の歌詞のバージョンを忌野清志郎（RCサクセション）がアルバム『カバーズ』の1曲めでカバーされたことに触れている。

RCサクセション 　　明日なき世界


記事のタイトルとなっている「こんなへたくそな歌手に、これほどつまらん歌詞をつけられてリメイクされていると知ったら？」という一文は、この88年の『カバーズ』というアルバムについて文芸評論家の渡辺直巳が朝日ジャーナルに書いた文章から取られている。その部分は記事にも引用されているが、こんな内容だ。

＞ このLPはすべて、六〇年代ポップスの替え歌なのだ。こんなへたくそな歌手に、これほどつまらん歌詞をつけられてリメイクされていると知ったら、ディランもレノンもアダモも、「ポップの魂」の名にかけてきっと怒り狂うだろうし、実際、彼らの歌声とともに思春期を送ったわたしなどは、怒りを越えてひたすら赤面してしまった。（渡辺直己）（朝日ジャーナル88年9月2日号）


記事を書いた佐藤剛さんは「忌野清志郎のことを理解できていなかった文芸評論家からは、こんな風に貶されたりもした。」とひかえめに批判されているが、はっきり言って忌野清志郎を理解できていないだけではなくディランもレノンも理解していないと言っていいんじゃないかと思ってしまう。

＞それから四半世紀もの年月が過ぎて、文芸評論家の発言はすっかり忘れ去られ、忌野清志郎が逝ってしまった後になっても、歌は生きているし、歌詞は古びるどころか逆にリアリティを増している。

と佐藤さんが書かれているように清志郎と渡辺直己のどちらが正しかったかは証明されているわけでいまさら30年近く前の記事にいちゃもんつけてどうするの、なのだが・・・

忌野清志郎は1951年4月2日生まれ、渡辺直巳は1952年2月26日生まれということで奇しくも同級生になる。そして二人とも東京23区育ちということで、渡辺がディランやレノンやアダモの歌声とともに思春期を送ったのとおそらくはまったく同じように清志郎もディランやレノンやアダモを聞いていたはずである。

この短い引用だけで判断してはいけないのかもしれないが、二人の違いは、渡辺はディランやレノンやアダモの歌を「思春期の思い出」として語っているのに対し、忌野清志郎はディランやレノンやアダモの歌を「今」も意味を持つ「現在進行形」のものとして歌い続けようとしていることだ。渡辺のいう「ポップの魂」なるものがあるとするならば、その魂を継承しているのは誰なのかは言うまでもないだろう。



上の動画は清志郎が「笑っていいとも」に出演し、やりだまになっているアダモの「サントワマミー」をアコギ一本で「つまらん歌詞をへたくそな歌声」で歌ったものである（ちなみに歌詞は岩谷時子の日本語詞であるが）。最後、清志郎が観客席に向かい歌うことをリクエストすると会場に来ているおそらくは貼られた「グラッド・オール・オーバー」のポスターから考えると、出演は94年末か95年頭のころと思われるが、アダモが歌ってからでも30年以上、越路吹雪からでも30年近くで観客は生まれるどころか影も形もない頃の歌を平気で歌っているのは何故なんだろう？

それは歌を「思い出」とするのではなく現在進行形で歌い続ける歌手がいたからである。

RCサクセション RC SUCCESSION: MTV LIVE SELECTION 1976-90

At Budokan:
1.トランジスタラヂオ0:00 1980/
5.スローバラード 19:30. 1976.
Miracle-20th Anniv:
2.あふれる熱い涙 5:20 1990/
3.ガガガガガ 9:20 1981/
4.いい事ばかりはありゃしない 13:35 1980.

シュガーベイブ/シュガー


一種のシンクロニシティかもしれませんが、先週末の達郎さんのコンサートで”今回のツアーはデビュー40周年ということでいつもよりシュガーベイブの曲多めです。これもめったにやったことない曲です。”という感じのMCとともに歌われたのが「シュガー」で、途中の”シュシュシュ　シュシュシュ　シュシュシュシュシュ　シュガー・・・ベイブ”というコーラスに「シュガータウンは恋の町Sugar Town」を思い出していたところでした。



1966年の今日（米時間19日）ナンシー・シナトラが歌う「シュガー・タウンは恋の町」が全米チャートに登場します。年が明けた67年1月25日には最高位8位の大ヒットとなったこの曲はナンシーの名パートナーであるリー・ヘイゼルウッドによって作られています。

邦題が「シュガー・タウンは恋の町」で曲調も春の陽気を思わせるポカポカ感のある明るいものなのでさぞかしハッピーなカップルのことを歌った曲だろうなぁと思ってしまうのですが、実際
の歌詞はこんな感じです。

NANCY SINATRA - Sugar Town 1967


いろいろ悩みもあるけど　
それももうおしまい
その草の中に横になれば
あっというまに悩みともおさらばよ

だって私がいるのは
シュシュシュ　シュシュシュ
シュシュシュシュシュシュ
シュガータウンだから

という1番にはじまりますが、愛だの恋だのといった言葉は一切なく
4番にいたっては

もし私が百万長者や億万長者だったなら
それを世界中のみんなにあげるわ
だからみんなどこかに行って
そうすれば　私だけの生活がすごせるわ

シュシュシュ　シュシュシュ
シュシュシュシュシュシュ
シュガータウンでね

と、シュガータウンで独りで過ごしたいと歌われています。

どこが「恋の町」やねん

「恋」の歌じゃないどころか、作者のヘイゼルウッドによればこの歌はLSDのことを歌った歌なのだとか。

確かに出だしの歌詞を見ると

I got some troubles but they wont last
I'm gonna lay right down here in the grass

grassという単語が使われていますが、ｇrassは俗語でマリファナの意味があることはご存知かと思います。LSD＝マリファナではありませんが、広い意味で悩みごとを麻薬を使って紛らすという歌と解釈できるのでしょう。

ヘイゼルウッドはLAのとあるフォーク・クラブでLSDでトリップしている若者に出会います。LSDについてその時初めて知ったということなのですが、若者が語った”あんた分かるかい　まるでシュガー・タウンにいる気分なんだよ”という言葉にインスパイアされたといいます。

LSD絡みの曲ということはナンシー・シナトラもヘイゼルウッドから直接聞いて知っていたようですが、そのハッピーな曲調のせいか幸運なことに発売元のリプリーズ・レコードは事実をしらないままシングルを発売してくれたということのようです。

Wild Angels Opening Sequence



この曲の前には、ロジャー・コーマン監督で後の「イージーライダー」につながるような映画「ワイルド・エンジェル」にピーター・フォンダの相手役として出演するなど、けっこうヒッピーたちにも人気があったナンシーですから、こういう歌も歌えちゃったのでしょうがリプリーズのオーナーである親父さん（もちろんフランク・シナトラ）が知っていたら大変だったんじゃないでしょうか。

ナンシーは後のインタビューで”あの歌はリーにとっての「ルーシー・イン・ザ・スカイ・ウィズ・ダイアモンド」だったの”と語っていますが、順序としては「シュガー・タウン」の方が先なんですけどね。また勝手な想像ですが僕のHNでもあるニール・ヤングの「シュガーマウンテン」も「シュガー・タウン」にインスパイアされてるんじゃないかとも思います。

Neil Young - Sugar Mountain



ところで、ふっくんの元奥さんとして有名なつちやかおりがアイドル時代に「シュガー・タウンは恋の町」をカバーしています。歌詞は

甘いかおりの風が
二人ひとつにするわ
誰もしらない
パラダイスここは・・・
シュシュシュ　シュシュシュ
シュシュシュシュシュシュ
シュガータウン

とまさにタイトル通りのラヴ・ソングになっています。
日本語詞は売野雅勇でした。

昨日（23日）のレッキング・クルーのFACE BOOKは恒例の「火曜日のトリヴィア」というクイズでした。

質問は以下のようなものでした。

クレジットはされていませんが、ドアーズのデビュー・アルバムでレッキング・クルーのベーシストが6曲で演奏しています。さてそれは誰でしょう？

A)　ラリー・ネクテル
B)　キャロル・ケイ
C)　レイ・ポールマン
D)　ジョー・オズボーン

ドアーズといえばヤング・ラスカルズと同じでベースレスのバンドとして知られています。ベース・ラインはキーボードのレイ・マンザレクがフット・ペダルや左手で弾いていたとされていて、その変わった編成が結果として彼らのサイケデリックなサウンドが生むこととなった、いわばドアーズの「売り」のひとつであったといっていいのかと思います。

そんなベースレスであるはずの彼らのアルバムにプロ中のプロであるレッキング・クルーのメンバーがベーシストとして参加していたという事実はファンにとってはちょっとショックなことかも知れないですね（コアなファンであれば周知のことなのかなとは思いますが）。

ただ逆に言えばウォール・オブ・サウンド、サーフ・ミュージック、フォーク・ロックというカリフォルニアのロック・ミュージックの流れの裏に常に存在していたレッキング・クルーがドアーズの裏にも存在していたという事実、これはまぎれもなくドアーズのサウンドがカリフォルニア・ミュージックの正統でもあったということの証といっていいのかもしれません。

ということで、トリヴィアに戻りますと、正解は僕も以前なにかで読んで記憶していたのですが、Aのラリー・ネクテルとなります。「明日に架ける橋」の感動的なピアノなどで鍵盤奏者のイメージの強いネクテルですが、ベーシストやギタリストとしてのセッションも数多くこなしていて、例としてはバーズの「Mrタンブリンマン」のベースやブレッドの「ギターマン」のギターばどはネクテルが弾いています。



回答に付られたコメントによればネクテルが演奏したという6曲は「ソウル・キッチン」「20世紀の狐」「バック・ドア・マン」「君を見つめて」「チャンスはつかめ」そしてもちのろんで「ハートに火をつけて」です。

ＤＯＯＲＳ/ＬＩＧＨＴ　ＭＹ　ＦＩＲＥ


ところで、「ハートに火をつけて」のベースについてはレッキング・クルーの正規ベーシストとでもいうべきキャロル・ケイも「私が弾いた」と「ソング・ファクト」のインタビューで答えているようです。




ソング・ファクト：ドアーズとの仕事について覚えている？

キャロル・ケイ：えぇ、ドアーズはそこに居なかったわ。スタジオの中には二人のスタッフがいただけ。私たちは「ハートに火をつけて」をやったの。そう、それを演奏したのよ。でもその話はあんんまりしたくないわ、だって、その曲には熱狂的なファンが多いことを知っているから。私は大人なの。ドラッグなんてやったこともない。バカみたいだわ。ドラッグにのめりこみステージ生命を絶たれた人たちのことを思うの、なんて馬鹿げているの、そんなもの絶対いらないわ。だからずっと話さないでいたの。でも確かに私は契約し、あの曲をヒットさせたの。


スタジオでメンバーとセッションしたわけではなくメンバーで作られたバック・トラックにベースを被せたということのようですね。キャロル自身はドアーズの音楽について、ドラッグがらみで生まれた音楽として否定的だったことが分かります。否定的でも請われればプレイするのがプロのセッションマン（セッション・ウーマンか）だということなのでしょうね。

＞ドラッグにのめりこみステージ生命を絶たれた人たちのことを思うの、なんて馬鹿げているの、そんなもの絶対いらないわ。

という言葉は間近で20世紀最高の天才音楽家、もちろんブライアンのことです、が壊れていくのを目にしていたキャロル・ケイならではの偽らざる言葉なのかなとも思います。

で、ネクテルとケイ、どっちが弾いてたんでしょうね？



PS.「ハートに火をつけて」はコルトレーンにインスパイアされてるみたいですね。

John Coltrane - My Favorite Things

The beach Boys/You're So Beautiful


きみは美しすぎるよ
僕には

きみは美しすぎるよ
僕には

分かるだろ

きみは僕の望むすべて

きみは僕の求めるすべて

きみは美しすぎるよ
僕には





僕は86年に日本でも発売された（当時はレーザーディスク）映画『アン・アメリカン・バンド』ではじめてビーチボーイズの動く姿をまとまって観たのですが、その時印象に強く残ったシーンのひとつがデニス・ウィルソンが「美しすぎてYou're So Beautiful」を唄うシーンでした。確か映画の中では2回出てきて、後のやつはドラッグ禍のせいかデニスはヨレヨレの状態で、ビーチボーイズの歴史を知っているものとしてはどうしても早すぎた「死」を予感せざるをえないもので胸が痛くなったことを記憶しています。

見た目も歌もヨレヨレだけどデニスの歌いたい気持ちが痛いほどに伝わってくるもので、どうしてデニスはこの歌をこんなに感情込めて歌えるのか不思議にも思いました。なぜかといえば「美しすぎて」という歌はジョー・コッカーの歌というイメージがその当時の僕にはあり、デニスの歌はあくまでカバーなのにという思い込みがあったからなのです。

Joe Cocker - You Are So Beautiful (Official Video)


もちろん、74年に全米5位となりジョー・コッカーの代表曲となった「美しすぎて」もカバーで、オリジナルは歌の作者でもあるビリー・プレストンとなります。

Billy Preston You Are So Beautiful


ジョー・コッカーのバージョンとはかなり印象が違いますね。この歌の作者クレジットはビリー・プレストンとブルース・フィッシャー。くりかえしますがデニスはあくまでもカバーと思っていたのですが、実はクレジットはされていないものの、おおむねデニスが作った歌だったということみたいなのです。

ビーチ・ボーイズのファンを気どりながら、真にお恥ずかしい告白をするのですが、実を言いますと「美しすぎて」の作曲にデニスがからんでいたということをWrecking CrewのFACEBOOKの本日の書き込みの中の「He also helped pen "You Are So Beautiful", which became a hit for Joe Cocker in 1974 although he is not credited on the song.」という一文を読むまで露ほどにも知りませんでした。トホホです。

調べてみると、あくまで個人の書き込みなので100％正しいのかは分かりませんが、デニスがビリー・プレストンの誕生日に曲をプレゼントしたのが「美しすぎて」だということのようです。で、おそらくはそれにビリーが若干の手を加えて仕上げたものをレコーディングしたのかなと想像いたします。クレジットがもれた理由については見つけられませんでしたが、プレゼントした曲ということでデニスの側からは特に強いクレームを入れなかったのではないでしょうか。デニスのイメージではありそうな感じがします、これがマイクならえらいことになりそうですけどね(笑)。


ちなみに、ビリー・プレストンは歌詞の「You」は「神」を指しているという解釈で歌っているようです。かたやデニスの方はといえば、これはもう愛する女への歌ですよね、絶対。頭にアップした動画のMCでも「この歌を今晩ここにいる女の子に捧げるよ・・・・　よろしくやってるかい」なんて言っちゃってますもんね。

デニス・Ｃ・ウィルソン、生きていれば今日（米時間28日）で71歳。
亡くなったのは39歳、若すぎるよね・・・Ｒ.Ｉ.Ｐ.美しき心のデニス。

Brian & Carnie Wilson

＞自分のファースト・チョイスという意味あいではコニー・フランシスだったわけ。親戚のうちに「カラーに口紅」があったんだよ。「カラーに口紅」ばっかり聴いた。





＞浅沼（稲次郎）さんが殺されて栃・若が14勝で千秋楽決戦の頃。ラジオから「スーダラ節」が流れてきた時は驚いたねぇ。あれは考え方にも影響を及ぼした。





＞「スーダラ節」にしても「アキラのズンドコ節」にしても”節”ってつくけど間違いなくポップスだったよ。当時の流行歌とは大きく違っていた。充分に洋楽だったね。





＞エルヴィスは「心の届かぬラブレター」を、一番最初に、聴いたの。62年から63年の間の1年でレコード全部集めたね。シングル全部揃えて一気に聴いた。LPも主だったものを集めて。それで何をやったかというと作曲家別の分類ってのをやったんだよね。




＞とにかく「ダ・ドゥ・ロン・ロン」が好きでね、あれが朝出掛けのBGMだったね、頭の中の(笑)。「ビー・マイ・ベイビー」よりも「ダ・ドゥ・ロン・ロン」の方が当時は好きだった。ビーチ・ボ－イズとフォー・シーズンズとガール・グループってのが三本柱だった。





＞本当にフォー・シーズンズが好きだった。ビーチ・ボーイズより好きだった。未だにそうだし。サウンド聴いてるとわかると思うけどね。




＞64年の1月から3月ってのはちょうど中学の卒業の時期で、”ファン・ダイヤル”から「抱きしめたい」がウワーッと流れてきた時には驚いた。それで、すぐレコード買いに行って、友達と3人で「抱きしめたい」何回聴いたか。「ジス・ボーイ」聴くまで何日かかったか。





＞「お前オリジナルの方が音厚くていいだろう」っていっても「いや、絶対これだ」って言うわけ。そいつはずーっと自説を曲げなかった。僕も少しはいいなぁと思ってたんだけどさ(笑)。そいつには負けたね。彼の意志の強さが気にかかっていて(笑)。ミコちゃんだけはそいつの家行って聴いていた。珍しい男だったなぁ。日本物再評価のきっかけになったのはそいつだから。






＞そこ（製鉄会社）の宴会でビートルズの「ガール」を唄ったら、部長さんが「うーん、君はうまい」って言ってくれて。そしたら課長さんが「君はやっぱりこういうところにいるべき人ではない」って。「そうでしょうね」って言ってすぐにやめましたね。





＞布谷（文夫）のとこにたまたまバッファロー・スプリングフィールドのレコードがあったんだよね。「フォー・ホワット」のシングル盤だったな。そのＢ面「ドゥ・アイ・ハフ・トゥ・カム・ライト・アウト・アンド・セイ・イット」がいいって（竹田）和夫がいいだしたのね。でそういえばいいなって思ったわけ(笑)。そして、和夫が「やっぱりアンタ自分でやるべきだよぉ」って言ったんだよね。そこでハタと気がついたね。「あぁ、そうかあ」と思って。じゃぁ自分でやってみようかなあ、と思った。




＞中田（佳彦）に連れられて細野（晴臣）ん家に行った。初めて細野ん家に入った時にヤングブラッズの「ゲット・トゥゲザー」のシングル盤がステレオの前に置いてあって「おおっ！「ゲット・トゥゲザー」が！」って「こんにちは」と言う前に言っちゃった(笑)。




＞69年の秋口に3人（大瀧、細野、松本隆）で旅行したんだよ、車で。バック・シートにギターをつんで(笑)。曲をつくろうというのとバンドの将来を考えるっていうかね・・・。清里では車の中で寝たり。その朝ボーって汽笛が鳴って、野原を汽車が走ってくのが見えて。それが後に「抱きしめたい」の原風景になった。




Ｒ.Ｉ.Ｐ. MASTER OF POPS 大瀧詠一

娘がいらないCDや本を処分したいというので、つきそいで市内のBOOK OFFへ。査定の間、CD500円コーナーで時間つぶし。今年最後のサルベージはこの一枚。



奇しくも（？）大瀧さん絡みの一枚となりました。

ブックレット裏面の英文推薦文はEACH OHTAKIこと大瀧詠一さん。



ANDERS'N'PONCIA played an active part in American popular music beginning as the group "THE VIDELS"from the end of 50's. In 1960 they had a big hit with the song "MISTER LONELY" and began making first class records with such first class producers in the American pops scene as DOC POMUS,PHIL SPECTER,LEIBER AND STOLLER, and RICHARD PERRY.

Their songs have been recorded by THE RONETTES,THE CRYSTALS,DARLENE LOVE,GARNET MIMMS,ELVIS PRESLEY and lot of other well known singers and groups.In Japan,one of their songs was recorded by FUMIO NUNOYA which I had the pleasure of producing.

Besides going by the name of "THE VIDELS",ANDERS'N'PONCIA also had Top 40 and Top 100 hits as "THE TRADE WINDS"and"THE INNOCENCE"

I think they are a great team,and they have accomplished a number of interesting works in their three rolls as artists,songwriters,and producer.

EACH OHTAKI

￥500也


DON CICCONE - THERE'S GOT TO BE A WORD

2015年最後のブログ更新です。









今年いちばん印象に残った曲を1曲。
まったくの新曲なんだけれど、どうしようもないデジャヴ感にとらわれてしまう歌。



少年のころの夢
自分はいったい何になる
ベッドに入れば
頭の中で歌ってた
少年のころの夢

少年のころ　楽器に夢中で
気がつくと夜になっていた
食べられなくたって
ギターを弾き続けた
少年のころの夢

ラジオはともだち
お金がなくても
楽しい毎日だった
少年のころの夢

少年のころの夢
人生ってなんだろう
夢のない仕事はごめん
ただ歌いたかった
”愛してくれるかいベイビー”って
少年のころの夢

ラジオはともだち
お金がなくても
楽しい毎日だった
少年のころの夢

そんな少年だった


タイトルが「WHEN I WAS A BOY」なので、最初「子供のころの夢」としていました。でもジェフ・リンは1947年生まれということで「子供のころ」といえばちょうどロックンロールが生まれた、一般的には1955年、頃になりますが、この曲から感じるデジャヴ感はジェフが16歳の1963年に登場したビートルズが持っていたもの（厳密にいうと中期以降の音の感触ですが）なので「子供」じゃなく「少年」にしてしみました。

実際アルバムの中には聴いた瞬間に「これはロイ・オービソンだ」という曲もあるので「子供のころ」でもいいのかも知れませんが。

いずれにせよ、この歌から始まるアルバムはやっぱり「ELO」じゃなくて「JEFF LYNNE'S　ELO」になっちゃいますよね(笑)

昨日（1月30日）ジェファーソン・エアプレイン～ジェファーソン・スターシップのオリジナル・メンバーであるポール・カントナーの逝去を知り、過去のエントリーの中からエアプレインがビートルズのルーフトップ・コンサートよりも前にビルの屋上での演奏を行っていたというエントリ（2011年12月15日「ＵＰ　ＯＮ　ＴＨＥ　ＲＯＯＦ」）をフェイスブックにアップしました。その後でネットを検索していたらローリングストーン誌のウエッブで「Beatles' Famous Rooftop Concert: 15 Things You Didn't Know」という記事にヒットしました。1月30日は当のルーフトップ・コンサートが行われた日だったんですね、なんというシンクロニシティ。「あなたの知らない15の事実」知っていることもなかにはありますがが、知らなかったことも多く、へぇそうだったのと。

久しくブログの更新もしていないので、リハビリ的にローリングストーンの記事を抄訳してみました。みなさんはいくつご存知だったでしょうか？

■元記事はこちら→Beatles' Famous Rooftop Concert: 15 Things You Didn't Know





「ビートルズの有名なルーフトップ・コンサート：あなたの知らない15の事実」


バンド結成当時のロックンロールに立ち戻ろうという「ゲット・バック」プロジェクトは、解散の危機にあったバンドの関係を回復させてくれるはずでした。セッションの模様は撮影されドキュメンタリー映画にもなる予定でしたが、このプロジェクトはかえってバンドの仲を悪化させてしまいます。なんとかアルバムと映画を完成させようとしたビートルズはアップル本社屋上でのライヴ（通称：ルーフトップ・コンサート）を思いつき、2年半ぶりに人前で生演奏を行います。アルバムと映画は1970年の5月に彼らの”白鳥の歌”『レット・イット・ビー』として発表されました。

ここではルーフトップ・コンサートについてあまり知られていない15の事実を紹介したいと思います。



1　当初、演奏場所は古代の円形劇場や豪華客船の上や砂漠などが考えられていた

ビートルズにはクライマックスのライヴをどこでやるかということについて多くの（かってな）アイデアを持っていました。ロンドンのパラディアムやラウンドハウスといった具体的なものからサハラ砂漠やギザのピラミッドの前、クィーン・エリザベスの甲板といった頭をひねりたくなる場所まで。中にはチュニジアにある2000年前のローマ帝国の円形劇場なんていうのもあり実際にロケハンまで送りました。

しかしながら、どれも決定には至らず、メンバーの情熱も醒めてきたのかよりシンプルで身近な案が考えだされます。ビリー・プレストンによれば「アップル本社の屋上」という案を考えたのはジョン・レノンとなりますが、リンゼイ・ホッグは自分のアイデアだったと言いはり、他のメンバーはリンゴが考えたと主張します。奇抜なアイデアのようでしたが実際は妥協の賜物でした。

器材の重さに床が抜けないよう厚板が用意された屋上に向かう階段の踊り場にビートルズは待機していました。彼らは怖気づいていました。映画を監督したリンゼイホッグによれば「ジョージはやりたくないっていうし、リンゴはやる意味があるのかと言い出した」そうですがジョンの一言で屋上へ飛び出します「くそったれ、さぁやっつけようぜ」。

2　数週間早くニューヨークでジェファーソン・エアプレインが屋上での演奏を行っていた



ビートルズは音楽史の中で多くの”初めて”を行ってきました、しかし大都市の屋上で無許可のコンサートをすることについてビートルズは初めてではありませんでした。ジェファーソン・エアプレインが1968年12月7日にスカイラー・ホテルの屋上に上がり「ハロー、ニューヨーク、起きなよ、くそったれ！自由な音楽！最高の歌！自由な愛！」と叫びニューヨークを驚かせていました。無許可のためニューヨーク警察に演奏を中止されてしまいます。演奏できたのはたった一曲、「プーネイル・コーナーの家」の激しいバージョンだけでした。バンドは素直に演奏をやめましたが友人で俳優のリップ・トンは抵抗したためパトカーに連れ込まれました。

このゲリラ・ライヴはジャン・リック・ゴダールによって撮影され、彼の「ワンＡＭ」プロジェクトの一部に組み込まれました。エアプレインの一件にビートルズが直截的に影響されたかどうかは分かりませんが、ビートルズが知っていたことはほぼ間違いないようです。

3　映画はオーソン・ウェルズの隠し子によって監督された

直近の「ヘイ・ジュード」や「レボルーション」のプロモーション・ヴィデオでビートルズと一緒に仕事をしたという理由でゲット・バック・プロジェクトの撮影はアメリカの映画監督リンゼイ・ホッグに任されました。彼はあらゆる角度から決定的瞬間を撮るために多くのカメラを手配し、撮影隊を隣のビルやアップルの受付にも送り出しました、もちろん屋上にも5台のカメラが設置されていました。その結果フィルムは歴史上最も伝説的なコンサートのひとつとなりました。

彼の才能は彼の血筋によるものかもしれません。2011年の自伝でリンゼイ・ホッグは自分は名監督/俳優のオーソン・ウェルズの一人息子であることを明かしています。彼の母で女優のジェラルディーン・フィッツジェラルドは公式にはウェルズとのうわさを否定していますが、友人であるグロリア・バンダーベルトには真実を語ったとされています。ウェルズの長女もリンゼイ・ホッグの主張を支持してＤＮＡ鑑定も行われましたが彼が隠し子である決定的な結果は得られなかったようです。

4　ジョン・レノンとリンゴ・スターは女もののコートを着ていた

ロンドンのウェストエンドのビルの上は寒風が吹きすさぶ凍えるような寒さでした。おまけに霧の予報のため撮影用のヘリは飛べず、いまにも雨が降り出しそうなお天気。野外演奏するようなコンディションではありませんでした。「手が冷えすぎてコードが押さえられない」レノンが歌の間につぶやきました、アップルの役員ケン・マンスフィールドはジョージ・ハリソンがいつでも指先を温められるように火のついたタバコを持ち続けなければなりませんでした。冬の寒さを防ぐためにレノンは（時々そうしていたように）ヨーコ・オノの毛皮のコートを借りていました。リンゴ・スターも奥さんであるモーリンの赤いレインコートを着ていました。

5　マイクは女性用のパンティ・ストッキングにくるまれていた

スタジオ用の精密なマイクにあたる突風によっておこるノイズはドラムやギター・アンプの音の録音の障害となりました。ノイズを解消するためマイクには簡易的なシールドが必要となり、（後にピンク・フロイドの仕事で有名になる）エンジニアのアラン・パーソンズは、その朝、女性用のパンストを買いに行きました。「僕はデパートに入りこう言った”パンストを3足くれないか、サイズはなんでもいいから”店員は僕のことを銀行強盗か女装趣味と思っただろうね」

6　2年ぶりの生演奏だった。

ビートルズ最後のコンサートとして有名なルーフ・トップは彼らの2年ぶりの生演奏でもありました。「愛こそはすべて」や「ヘイ・ジュード」などでTVスタジオの聴衆の前で生演奏はしていましたが、録音されたバック・トラックにより演奏は補強されていました。ルーフ・トップは正真正銘の生演奏で、最後のツアーの最終日となった、1966年8月29日のサンフランシスコはキャンドル・スティック・パーク公演以来のものとなりました。そして彼らはこの演奏でステージ上での決まり事を破っていました。レノンが中央に立ちハリソンが彼の左側に立ったのでした。

7　ジョージ・ハリソンのギターは初めて使われたタイプだった



ハリソンがルーフトップで弾いたテレキャスターは彼のためにロジャー・ロスマイシルとフィリップ・キュービックという職人が作ったカスタム・モデルで、フェンダーから贈られたものでした。フェンダーはすべてローズウッドのギターを新発売しようとしていて、宣伝のためにプロトタイプをビートルズに贈りました。丹精込めて作られたギターは手荷物として機内持ち込みで空輸されアップル本部で手渡しされました。

宣伝のために贈られたギターながらビートルズがどのように使用するかまでは知らなかった職人のキュービックは映画「レット・イｔット・ビー」を観に行き、自分の作ったギターがスクリーンで大写しになるのを見て「感動のあまり椅子から落ちそうになったよ」と回想しています。

8　ジョン・レノンは歌詞を忘れないようカンペを用意させた

ジョン・レノンはいつだって歌詞について問題をかかえていました。ポール・マッカートニーは彼らが出会った1957年、レノンがデル・バイキングスの「カム・ゴー・ウィズ・ミー」をステージでしばしばアドリブで適当に歌うのを見たことがあったといいます。「ディグ・ア・ポニー」の歌詞が覚えられないレノンのが映画用にちゃんと歌えるようにビートルズはアップルのアシスタントであるケビン・ハリントンに跪いてカメラに映らないようにして歌詞カードをかかげてくれるように依頼しました。それにもかかわらずレノンは記憶に残るヘマをやらかします。「ドント・レット・ミーダウン」で”And only reese we got the blootchy-koo."とやってしまったのです。

9　「ワン・アフター・909」は最も初期のレノン＝マッカートニー作品のひとつだった



「アイ・コール・ユア・ネーム」「消えた恋」と並んで「ワン・アフター・909」はレノン=マッカートニーが共作しオリジナル・アルバムに収録された楽曲の中で最も初期に作られたもののひとつです。レノンは17歳の時にこの曲を書き、新しく友達になったポール・マッカートニーに少しだけ助けてもらったと主張しています。「たいした曲じゃないよ」後年マッカートニは回想します「だけど、とても大好きな曲なんだ、僕にとってはブルージーな貨物列車の歌にジョンと一緒に挑戦した歌だからさ」と。

バンドは「ワン・アフター・909」のオリジナル・バージョンを1963年5月の「フロム・ミー・トゥ・ユー」のセッション中に録音しました。このバージョンはお蔵入りとなってしまいますが、6年後の「ゲット・バック/レット・イット・ビー」プロジェクトで、最初は冗談で演奏されています。ルーフトップ・コンサートでのライヴ・バージョンによって「ワン・アフター・909」という曲はようやく公式音源としてラスト・アルバムで世に出たのでした。


10　その日ルーフトップでは演奏された曲が他にもあった

映画「レット・イット・ビー」では最終的に21分間のコンサートが記録されています。しかし実際の演奏は倍の長さでした。42分間のセットでビートルズは「ワン・アフター・909」を1回、「ドント・レット・ミーダウン」「ディグ・ア・ポニー」「アイヴ・ガット・ア・フィーリング」を2回ずつ、「ゲット・バック」を3回、そして様々な、イギリス民謡「ダニー・ボーイ」の一部など、を含む断片的な歌を演奏しました。

これらに加え後に『アビーロード』に収録される「アイ・ウォント・ユー」の数小節、アーヴィン・バーリンの「美しい娘はメロディに似て」からのメロディなど。これらのぶっつけ本番の演奏の中で最も完奏に近かったのがインストゥルメンタル版の「女王陛下万歳」で、アラン・パーソンズがテープを交換する間に演奏されました。これらはお遊び程度のもので公式音源としての発表はまったく考えられませんでした。

11　警察の対応は思ったほどひどくはなかった



ビートルズ伝説ではロンドン警察は60年代のロックにおける最も歴史的な瞬間を無理やり中止させた典型的なブルー・ミーニーズ（イエロー・サブマリンの青鬼）として描かれています。はたしてそれは事実なのでしょうか。

ウェスト・エンド中央警察署はサヴィルロウの27番地、アップル本社からわずかのところにあります。警察署でも通りに鳴り響くうるさいロック・ミュ－ジックは聞こえたにちがいありません。窓はガタガタいい、床は揺れ、交通渋滞によるクラクションが鳴り響いていましたから。その気があれば、最初の曲を終わる前に警官が駆けつけ演奏を止めることもできたはずです。にもかかわらず警察は42分間にわたりコンサートが続けられるまで放っておきました。周囲の会社から騒音をなんとかしろという苦情が届きだして初めて動き出しています。

その後も、すぐに排除はせず警告を与えています。アップル社の社員の発言では「踏み込む前にサヴィルロウ警察署から電話がありこう言われました”10分だけ待つ”」と。「それで、我々は警察がやってくることを知り、みんな用意ができていました・・・。警官がビルに踏み込んだ時、合唱のようにトイレの水の流れる音がしていました」。危機は避けられました。

12　セットリストは予定より長くされたのかも知れない。

コンサートは警官たちによって中断されたため、ファンは、もしビートルズが演奏を続けていたら他にどんな曲を演奏したかという推論が数10年にわたり交わされてきました。一部の眼光鋭いロック研究者はアップル屋上に置かれたが、使われなかった楽器に注目しました。もう一台のキーボード、ラップスティール・ギターそしてマッカートニーが弾くであろうアコースティック・ギター用と思われるマイク。「トゥ・オブ・アス」のようなフォーキーな歌は歌われたでしょうか。マッカートニーは「レット・イット・ビー」「ロング・アンド・ワイディング・ロード」のようなピアノによるバラッドは歌ったのでしょうか。レノンは「フォー・ユー・ブルー」でハリソンがその日はじめて、そして唯一のボーカルをとる時のためにラップ・スティール・ギターを置かせたのでしょうか。

答えは闇の中です。何人かのファンはハリソンは自分の曲はやらないように求めたといいます。また他の人たちは風が強かったので静かな曲は録音が困難だったのだろうといいます。しかしもし他に曲が予定されていたとしたなら、いくつかの曲を繰り返し演奏するというのはありえなかったのではないかとも思われます。ではなぜ予備の楽器が置かれていたのか。おそらくは器材を屋上に上げるように指示されたローディたちは、その辺の器材をとにかくまとめて運んでしまったのではないのか。セットリストはいまだ見つかっていません。

13　ビリー・プレストンはビートルズの共演者として唯一公式クレジットされた

1962年のリトル・リチャードのツアーに同行して以来の友人であるビリー・プレストンはゲット・バック/レット・イット・ビー・プロジェクトにおけるＭＶＰといえます。バンドの関係は悪化しハリソンは脱退を宣言しスタジオを後にしました。頭を冷やすためレイ・チャールズのコンサートに行ったハリソンはオルガンを演奏するプレストンと再会します。ハリソンはプレストンを連れてスタジオに戻りメンバーたちとジャムを行いました。プレストンの温厚な性格はバンドの緊張を和らげ、キーボードの演奏は陰鬱なセッションに刺激を与えました。

プレストンの音楽的ひらめきがバンドにいかに貢献したかは、アルバム『レット・イット・ビー』を聴けばわかります。レノンをしてバンドの正式メンバーにと言わせたほどで、まさに第5のビートルズと言えました。「馬鹿げてるよ、4人で十分だ」とマッカートニーなら言うでしょう。それでも彼の貢献度はシングルとして発表された「ゲット・バック」で証明されています。そこには”ザ・ビートルズとビリー・プレストン”というアーチスト名が記されていました。オフィシャル盤でビートルズ以外の名前がクレジットされるのはこれが初めてのことでした。

プレストンはその夏にはビートルズとともに『アビー・ロード』の録音に参加し「アイ・ウォント・ユー」「サムシング」でキーボードを弾いています。


14 ルーフトップ・コンサートの跡地は今アバクロンビー＆フィッチになっている。

ビートルズはアップル・コープの本社としてサヴィルロウ3番地のビルを1968年に買いました。地下にスタジオを建設し、ゲット・バック/レット・イット・ビー・セッションの後半で使用されました。ハリー・ニルソン、バッドフィンガー、マーク・ボランといった人たちが1976年にビルが売却されるまでに録音を行いました。2012年にアバクロンビー＆フィッチに購入されるまでビルの持ち主は何度も変わりましたが現在は建物の一階はアバクロンビー＆フィッチ子供服売り場になっています。


15　ビートルズのラスト・アルバムの最後の音

『アビーロード』が4人によって最後にレコーディングされたアルバムではありますが、1970年5月に最後のアルバムとして発売されたのは『レット・イット・ビー』でした。それはバンドの解散が世界中の新聞の見出しになった数週間後のことでした。黒い縁どりのジャケットは葬式を思わせ、ファンは60年代を象徴した4人からの最後のお別れのメッセージを感じました。

最後の曲「ゲット・バック」の演奏が終わった後ジョン・レノンの声が聞こえてきます。「我々グループ全員を代表してお礼を申し上げます。オーディションに受かってるといいんですが」。それはルーフトップ・ショウの終わりを告げる控えめな発言で、デビュー前に多くのオーディションで落とされたことを自虐的なジョークにしたものでした。それは誰もが経験したことのない大成功にたする謙虚な言葉であり、はからずもビートルズの完璧な墓碑銘となりました。






ＰＳ．15番目の事実としても書かれていますが『レット・イット・ビー』の最後、つまりはビートルズの最後はジョン・レノンのジョークとともに締めくくられます。

"I'd like to say thank you on behalf of the group and ourselves, and I hope we passed the audition."

ジョンのこの言葉はデビュー前に何度かオーディションを落とされた経験を自虐的なジョークにしたものなのですが、この言葉こそ「ゲット・バック」という、自分たちのルーツに立ち戻ろうというプロジェクトにふさわしい素晴らしいジョークであると言えます。この言葉によって僕たちは「ラヴ・ミー・ドゥ」のビートルズに引き戻されてしまう。終わりと始まりがひとつの輪となってつながる、そうしてビートルズは永遠になる。

だから、スペクターの入れたオーケストラがどうのこうのじゃなくって曲間のおしゃべりをすべてカットしてしまった『ネイキッド』はビートルズのアルバムとしては、どうなんだろうねぇと思ってしまいます。




レット・イット・ビー/ザ・ビートルズ

￥2,700
Amazon.co.jp

アビイ・ロード/ザ・ビートルズ

￥2,700
Amazon.co.jp

レット・イット・ビー・ネイキッド/ザ・ビートルズ

￥2,700
Amazon.co.jp

SNSでちょこっと流行っている「私を構成する9枚」です。

数日前にフェイスブックでいったんはアップしたのですが、アップ後に忘れていたアルバムを思い出したので少し修正いたしました。

フェイバリット・アルバムが9枚というわけではなく、僕にとってマストな歌手のアルバムの中で最初に聴いた（買った）もの9枚で、それを聴くことで当該の歌手にズブズブとはまり込んでいった、そのきっかけになったアルバムが9枚となります。




①ザ・ビートルズ/オールデイズ

最初『アビーロード』をあげていたのですが、ようく考えたらこっちが先でした。ビートルズは名前は知っていましたが、ちゃんと聴いたのは中学に入ってからで、プレイヤーを持っていない僕は友達の家にあるレコードを聴かせてもらうことで洋楽に目覚めていきました。僕より2,3歳若い世代になるとビートルズに触れるきっかけは圧倒的に『赤盤』『青盤』になるのでしょうが、僕らの世代はやはりコレ。もう何十年も聴いていませんが、このアルバムの曲順は頭にすっかりこびりついていて今でも「シー・ラヴズ・ユー」を聴くと、曲が終わった後に「フロム・ミー・トゥ・ユー」のイントロのコーラスが頭の中で鳴り出します。



ちなみにビートルズのフェイバリット・アルバムは『ラバーソウル』です。

②大滝詠一/ナイアガラ・ムーン

40年以上レコードを聴いてきましたが、一番好きなレコードはと言われたらこのアルバムをあげるかな、ってくらいに大好きなアルバム。最初聴いたときは歌詞もサウンドも何じゃこりやふざけやがってという印象でしたが、何十年もロックを聴いて聴きなおすとこれこそロックン・ロールの正当な翻訳アルバムなんだということに気づいてしまう。日本のロックン・ロール・アルバムでこれを越えるものはこれまでもこれからも無いと思う。



③はっぴいえんど/風街ろまん

『ナイアガラ・ムーン』を聴いたこと、同時期に細野さんの『トロピカル・ダンディ』が出てたことなどからはっぴいえんどを聴いてみようと思ったんだったと思う。街の普通のレコード店さんで買ったのですが、当時はまだURCレーベルのやつが流通していました、今思うとラッキー。そういやジャケの大滝さんと顔が似てるとツレからよく言われたことを思い出した。



④めんたんぴん/MENTANPIN

ボーカルの忠平さん、ギターの洋ちゃんが高校のOBということで聴きました。愛校心です。ちなみに久保田麻琴さんは高校も大学も一緒、そういや夕焼け楽団のベースの恩蔵さんはもともとはめんたんぴんブルースバンドのメンバー。そんなわけで聴いたわけですが、めんたんぴんがザ・バンドやグレイトフル・デッド、オールマンなんかを聴くきっかけでもあったりして、小松方面には足を向けて寝られません。



⑤ニール・ヤング/今宵その夜

フェイスブックの方にアップしたときにお友達からこのアルバムは苦手というコメントがつけられて複雑な気持ちになったのですが、個人的にはニールのアルバムでは5本の指に入るかと思います。ストーンズのメロディを借りちゃったよっていう曲があったり、声もろくに出ていないヘロヘロの声があったり、こんなの商品にしちゃっていいのっていう曲が何曲かありますが、そういうのも含めてファンになるとたまらんアルバムです。ところで最初に聴いたのがもし「ハーヴェスト」だったらひょっとしたらファンになっていなかったかもしれない。



ちなみにフェイバリットはカントリー版ウォール・オブ・サウンドな『カムズ・ア・タイム』です。

⑥ボブ・ディラン/欲望

信じられないかもしれませんが『欲望』からカットされた「コーヒーもう一杯」がラジオからけっこう流れていて、アルバム自体もディランの中では日本で一番ヒットしたんですよね。ツレと「コーヒーもう一杯」よりは「モザンビーク」の方がいいよなとか言っていたのを思い出す。とか書いていて気づいたのですが『欲望』を買ったのは76年ですがその半年ほど前に『偉大なる復活』を買っていました。そっちがディランの（そしてザ・バンド）のハジレコでした。



⑦Ｏ．Ｓ．Ｔ．/アメリカン・グラフィティ

高校時代ロックのルーツ（なんていい方は当時しませんでしたが）いわゆるオールディーズを聴いてみたいが、何を聴けばいいのかという時にあったのがこのサントラ盤。プレ・ビートルズの音楽のオムニバスでこれ以上のものは僕が買った70年代半ばにはありませんでした。このアルバムがきっかけで、ロックン・ロールやドウーワップ（これまた当時はこの言葉一般的じゃありませんでした）の魅力にはまっていった人多いんじゃないでしょうか。



⑧ビーチ・ボーイズ/パーティ！

最近、レア音源満載の拡大版が出たばかりですが、僕がこのアルバムを買った70年代末に21世紀にこれほどビーチボーイズが評価されていると予想できた人はおそらく世界中に一人もいなかったんじゃないでしょうか。まぁそれは大げさとしても70年代キャピトル時代のアルバムってきちんと国内盤は出ていなかったんじゃないかと思います。ひょっとしたら来日がらみだったのかもしれませんが、カタログが一気に発売され一枚くらい買ってみるかということになったのですが、情報がほとんどないのでとにかく知ってる曲が多いやつということで買ったのが『パーティ！』でした。だってビートルズの曲もあるし・・・。しかし、お遊びのようなアルバムなのですが、いともかんたんにすばらしいハーモニーが歌えてしまうこの人たちはなんなんだとびっくりポンでした。



ビーチボーイズのフェイバリットは『トゥデイ!!』です。

⑨フィル・スペクター/エコー・オブ・ザ・６０’ｓ

これは確か受験で東京に行ったときに買ったんだと思います。そんなことやってるから第一志望に落ちてしまうってのは置いといて。大瀧さん経由でスペクターの名前は知っていましたが、実際まとまった音源を聴くことができなかったのがこのアルバムで一気に解消できました。「ウォール・オブ・サウンド」とは何なのか、これでわかったゾと勝手に思い込んでいました。
おそらく9枚中このアルバムが一般的ではないと思いますので収録曲を載せときます。「ビー・マイ・ベイビー」以外はこのアルバムで初めて聴いたんだったと思います。

Ike & Tina Turner/River Deep Mountain High
The Crystals/Then He Kissed Me
The Ronettes/Be My Baby
Bob B. Soxx And The Blue Jeans/Why Do Lovers Break Each Other's Hearts
Checkmates Ltd./Proud Mary
Darlene Love /(Today I Met) The Boy I'm Gonna Marry
Bob B. Soxx And The Blue Jeans/Zip-A-Dee-Doo-Dah
The Ronettes/(The Best Part Of) Breaking Up
Righteous Brothers/You've Lost That Lovin' Feelin'
The Crystals/Da Doo Ron Ron
The Crystals /He's A Rebel
Bob B. Soxx And The Blue Jeans/Not Too Young To Get Married
The Crystals/Uptown
Righteous Brothers/Unchained Melody
The Ronettes/Walking In The Rain
The Crystals /There's No Other (Like My Baby)
The Crystals /He's Sure The Boy I Love
Righteous Brothers/Ebb Tide
Darlene Love/Wait Till My Bobby Gets Home
The Ronettes/Baby I Love You

10位　A面で恋をして/ナイアガラ・トライアングル2 （81年　松本隆/大瀧詠一）
09位　冬のリヴィエラ/森進一　（82年　松本隆/大瀧詠一）
08位　DAWN　TOWN/シュガーベイブ　（74年　伊藤銀二/山下達郎）
07位　さらばシベリア鉄道/大滝詠一　（81年　松本隆/大瀧詠一）
06位　快盗ルビイ/小泉今日子　（88年　和田誠/大瀧詠一）
05位　熱き心に/小林旭　（85年　阿久悠/大瀧詠一）
04位　風立ちぬ/松田聖子　（81年　松本隆/大瀧詠一）
03位　君は天然色/大滝詠一　（81年　松本隆/大瀧詠一）
02位　しあわせな結末/大滝詠一　（97年　多幸福 /大瀧詠一）
01位　恋するカレン/大滝詠一　（81年　松本隆/大瀧詠一）


15日から19日の5日間、ニッポン放送で大滝詠一師匠のアルバム『DEBUT AGAIN』が3/21（サンニーイチ）に発売されることを記念して特別番組「『DEBUT AGAIN』～大滝詠一ベストセレクション」がオンエアされました。放送がニッポン放送という大瀧さんの版権を管理しているフジパシフィック出版社の親会社という強みを活かしてか、『DEBUT AGAIN』の音源を世界初(笑)、独占オンエアというのも魅力だったのですが、18日19日には番組へのリクエストによる大瀧詠一作品ベスト10の発表があるということで、どんな10曲になるのかというのが非常に興味がありました。ちなみに「大滝詠一」作品ではなく「大瀧詠一」作品、つまり大瀧さんが楽曲提供した作品やプロデュースした作品も含まれるということです。

で、発表されたベスト10が上の10曲なのですが、感想としては「やっぱりね」というものです。

何がやっぱりなのかといえば、みなさんお気づきになるでしょうがほとんどの作品がアルバム『A LONG VACATION』以降の大瀧作品だということ。1曲だけ75年のシュガーベイブのデビュー・シングル「ダウンタウン」が入っていますが、これは大瀧さんのプロデュース云々というよりは山下達郎の人気によって世間に広がったものということで、これを除いちゃうと全てがアフター『ロンバケ』作品、大瀧さん的に言えば第二期ナイアガラ作品ばかりということになります。



はっぴいえんど後の大瀧詠一は自らのレーベル「ナイアガラ・レコード」を設立しソロ作、プロデュース作を発表していきますが、ナイアガラ作品については発売元によって大きく２つに分けることができます。75年のプロデュース作であるシュガーベイブの『ソングス』およびソロ作『ナイアガラ・ムーン』（当初はエレック発売）から始まりロックと音頭の融合という78年実験作（！？）『レッツ・オンド・アゲン』までのコロムビア時代、81年の『ロング・バケーション』から始まるソニー時代の二つで前者を「第一期ナイアガラ」後者を「第二期ナイアガラ」と呼びます。

この二つは発売元の違いだけでなく音楽面でも大きな違いがあります。第一期はノベルティ・タイプの楽曲（日本的にはコミック・ソングと呼ぶ）がメインで第二期はメロディ・タイプの曲がメインの曲が多い。ぶっちゃけていえば、第一期が三枚目路線で第二期が二枚目路線であり第一期がロック的であり第二期がポップス的であるといえ、その要因として第一期の歌詞は大瀧自身によるものが多く、第二期は松本隆による歌詞が多いという違いもあります。





ノベルティとメロディという二面性は大瀧詠一という音楽家のいちばん大きな魅力であったと考えます。はっぴいえんど時代の72年に発表したソロ・アルバム『大瀧詠一』では松本作詞と大瀧作詞のバランスもあってか一枚のなかに二面性がうまく収まっており歌手大滝詠一だけでなくプロデューサー大瀧詠一の魅力を知るには最良の一枚といえます。1stアルバムにはそのすべてが含まれているという言葉を思い起こさせる名盤です。セルフ・タイトルのアルバムなのですが表記が通例の「大滝詠一」ではなく『大瀧詠一』なのもこのアルバムの性格をものがったっているように思います。


（髪へのこだわりがBウィルソンの「キャロライン・ノー」を思わせるメロディ・タイプの初期代表曲。髪へのこだわりは25年後の「しあわせな結末」へつながる。前者は松本、後者は多幸福と作詞家が違うということは「髪」にこだわったのは大瀧さんということなんだろうな。）


（サウンド、歌唱がエルヴィス・プレスリーへのオマージュというのは過去にもありましたが、歌詞がすべてエルヴィス・プレスリーの楽曲名で作られているというのは世界を探してもこの一曲だけ。そこまでやるかというのが大瀧作品の魅力。）

本来であれば2枚目以降のアルバムもこの二面性のバランスをとりながら作成されるというのが常道なのですが、大瀧さんはナイアガラ・レコードのプロデューサーとして、レーベル全体の作品によってこのニ面性のバランスをとろうと考えます。ここが面白いというかヘンなところで、所属アーチストは所属アーチスト、ソロはソロと普通は考えるのですが大瀧以上のポップ・マエストロともいえる山下達郎率いるシュガーベイブのアルバムをプロデュースしながら、この素晴らしいメロディが詰まったアルバムとバランスをとるためには自分のソロはノベルティー・タイプで行くしかないと考え（っていうかマイ・ブームだったんでしょうけど）からニュー・オリンズのリズムを大胆に取り入れた傑作アルバム『ナイアガラ・ムーン』を作ったりします。


（言わずと知れたシュガーベイブのデビュー曲。高１の夏初めてこの曲を聴いた時にはそのウキウキするリズムとおしゃれなメロディーに、それまで聴いていた日本のロックや歌謡曲とは全く違うものを感じた。今思うと「新しさ」だったのかな。）


（アルバムを最初聴いた時にはコミック・ソングばっかと思ったけど妙に頭に残る歌ばっかりで繰り返し聴くことに。後になって思えば大瀧さんの歌詞はコースターズやなんかのロックン・ロールの歌詞の見事な翻訳といえるようなもので、メロディもリズムも歌詞も見事にロックン・ロールしていたんだと納得。日本のポップス史上最高のロックンロール・アルバムだと今は思う）

山下達郎、伊藤銀二と組んだナイアガラ・トライアングルでもメロディ・タイプは二人に任せ、自分はここでも盟友布谷文夫を歌い手に招き「ナイアガラ音頭」という珍曲(笑)を最後に収録してバランスをはかろうとしているのが泣けてくる。


（81MIXしか見つかりませんでした、すみません。とにかく最初に聴いた時は「・・・・」。でもそこは日本人の性というか気が付くと♪かったいこといわずに踊りやんせぇ♪と脳内リフレインしていた。「ナイアガラ音頭」は大瀧さんの異形、いや違う偉業のひとつと思う。


そしてこの音頭路線を拡大解釈しながら辿り着いたのが第一期ナイアガラの最終作にして日本のポップス史に残る最高の問題作『レッツ・オンド・アゲン』でした。



ということでノベルティ・タイプの名曲・迷曲を作り続けた大瀧さんですが、悲しいかなレコードはほとんど売れませんでした。唯一売れたのは大瀧さんの主な現金収入の手段でもあったＣＭソングを集めた企画盤『ＣＭスペシャル』のみで他の作品はおおむね数千枚程度の売り上げだったといわれています。そんな状態でありながらこれだけの「売れない」作品（＝趣味趣味音楽）を作り続けられたのはナイアガラ・レコードが自主レーベルであり自宅を改造した福生４５スタジオで家内制手工業的に制作を行っていたからです。

ただ、そんな食えない趣味趣味音楽を作り続けることにも限界があり、音楽業界からの引退も考えた大瀧さんは最後に一枚だけ禁じ手としていたメロディ・タイプのアルバムを制作するためフジパシフィック社長の朝妻一郎の下に赴き、当時ヒットしていたＪＤサウザーの『ユア・オンリー・ロンリー』のようなアルバムを作りたいと相談します。大瀧詠一の才能のよき理解者であった朝妻は自分の関連会社であるポニーキャニオンではなくＣＢＳソニーと契約を結ばせます。「ユア・オンリー・ロンリー」という曲はロイ・オービソンへのオマージュで哀愁のオービソン・サウンドをコンテンポラリーなサウンドで再現したものですから、そのアルバムを見せられたときに大瀧詠一がどのようなサウンドのアルバムを作ろうとしているのかを瞬間的に理解したのだと思われます。



朝妻の後ろ盾で潤沢な資金を用意した大瀧さんはパートナーとしてはっぴいえんど以来となる松本隆を迎え、最新の録音機材が設置されたＳＯＮＹの信濃町スタジオに日本最高のセッション・ミュージシャンを何十人も集めニュー・アルバムの録音を開始します。ニュー・アルバムとはもちろん『ロング・バーケーション』なのは言うまでもありません。

第一期ナイアガラと第二期ナイアガラの違いは発売元と音楽性の違いと書きましたが他にもスタジオの違い、資金の違い、そして売れたか売れなかったかという違いもあったのです。




長々とビフォー・ロンバケ＝第一期ナイアガラについて書いてきました。アフター・ロンバケ＝第二期以降については、多くの方がご存知の活躍ぶりですからここでは書きません。

そうなんです『ロンバケ』『トライアングル2』『イーチ・タイム』というアルバムは数十万枚という単位で売れているし、大瀧さんが提供した楽曲、「風立ちぬ」や「熱き心に」なんていう曲何百万という人がカラオケで歌ったことがあるでしょう。それに比べると第一期ナイアガラの時代はレコードも数千枚しか売れておらずラジオから流れてきたとしても「あっ、大瀧詠一」って思う人は数万人もいなかったんじゃないかと思われます。ロンバケ後に第一期のアルバムもＬＰやＣＤで何度も再発されているので、持っているという人は今では数万単位でいらっしゃるのかもしれませんが、それでもアフター・ロンバケに比べるとまだまだ一般的じゃないのかなぁと。それが如実に表れたリクエスト・ランキングだと思います。

２０位、３０位とランキングを広げれば少しは第一期ナイアガラの作品も入ってくるのではと思われますが（少なくとも「夢で逢えたら」は２０位までに入っているのではといいながらもそれもアフター・ロンバケのラッツ＆スターのカバーによるという気もしますが）、とにもかくにも世間一般では大瀧詠一＝アフター・ロンバケということなのですね。当り前か。

でも長々と書いたように大瀧詠一という人の大瀧詠一ならではの魅力というのはメロディ・タイプとノベルティ・タイプの楽曲が一人の音楽家の中に共存していて、共存しているからこそ余計にメロディ・タイプの曲は二枚目として響くし、ノベルティ・タイプの曲はより三枚目に響く、深いのである。

なので、いつの日かベスト１０にバランスよくメロディ・タイプとノベルティ・タイプの曲が並ぶ日＝大瀧さんの音楽が本当に理解される日がくるよう祈り、鳥肌音楽選曲の１０曲を並べておしまいとしたいと思います。

01　ナイアガラ音頭/布谷文夫　（76年　大瀧詠一/大瀧詠一）
02　君は天然色/大滝詠一　（81年　松本隆/大瀧詠一）
03　論寒牛男/大滝詠一　（75年　大瀧詠一/大瀧詠一）
04　指切り/大滝詠一　（72年　松本隆/大瀧詠一）
05　クリスマス音頭/大滝詠一　（77年　大瀧詠一/大瀧詠一）
06　空色のくれよん/はっぴいえんど　（71年　松本隆/大瀧詠一）
07　びんぼう/大瀧詠一　（72年　大瀧詠一/大瀧詠一）
08　恋するカレン/大滝詠一　（81年　松本隆/大瀧詠一）
09　たのしい夜更かし/大滝詠一　（75年　大瀧詠一/大瀧詠一）
10　Tシャツに口紅/大瀧詠一　（16年　松本隆/大瀧詠一）


　

ノーザン・ソングス 誰がビートルズの林檎をかじったのか/ブライアン・サウソール



図書館に行ったら未読だった「ノーザン・ソングス～誰がビートルズのリンゴをかじったのか」という本があったので借りてきて読み始めたところです。

頭の方でＥＭＩとビートルズが契約にいたった経緯について1963年当時にＥＭＩの代表取締役で契約を承認したＬ・Ｇ・ウッドが「真実について記憶に残しておく」ことが重要として残した八項目からなるメモが紹介されています。

a)ビートルズのポリドール音源（61年にトニー・シェリダンと行ったもの）を、ブライアン・エプスタインがＲ・Ｎ・ホワイト（ＥＭＩの取締役でＥＭＩ出版社を経営）に渡した。



b)Ｒ・Ｎ・ホワイトはその録音をリドリーとニューウエル（ウィーリー・リドリーとノーマン・ニューウェル、ともにＥＭＩのプロデューサー）に聴かせた。両人とも、出来の悪いシャドウズのようなサウンドだという理由で却下した。どうやら本当にそんなサウンドだったらしい。

c)エプスタインはポリドール音源をデッカに持ち込む。同社のＡ＆Ｒ部長だったディック・ロウはアメリカにいたため、副部長（マイク・スミス）がビートルズをテスト録音させることを決め、実行した。



d)アメリカから帰国したディック・ロウにそのテスト録音を聴かせた。彼の反応は、エレキ・ギターはもう陳腐であり、ビートルズに興味はないというものだった。

e)落胆したブライアン・エプスタインはオックスフォード・ストリートの店（ＨＭＶ）のプライベート録音部に、レコード盤にしてもらおうとビートルズの自作曲の入ったテープを送る。

f)曲を聴いて出来栄えに感嘆したオックスフォード・ストリートのエンジニアが、シド・コールマン（ＥＭＩの出版部門アードモア＆ビーチウッドのゼネラル・マネージャー）に連絡を入れた。

g)コールマンはジョージ・マーティンに電話をかけ、ぜひテープを聞いてくれと言った。マーティンはオーケーする。

h)ブライアン・エプスタインがテープをジョージのところへ持っていった。ジョージは自ら担当してビートルズにレコーディング・テストをしてみることにする。その結果に舌を巻いた彼は契約を交わした。そのあとはご存知の通り。

デッカに蹴られてからＥＭＩとの契約にいたる経緯は何かで読んでいるとは思うのですが,エプスタインとＥＭＩの橋渡しをしたのがＨＭＶの技師だったというのは記憶からとんでいたなぁ。考えたら項目a)にあるようにＥＭＩには自身がＮＥＭＳというレコード・チェーン店のオーナーであるというコネを使って、ポリドール音源を持ち込んだものの袖にされているわけで、短期間で2度お願いするのもちょっと気がひけるでしょうしね。デッカ・テープをオープン・リールのままでなく聞きやすいようにレコード盤にしようと思い立ったのが「吉」とでたんだなぁ、こういうのが「運」なんだろうなぁなんて考えていた時に、いつものように海外の音楽サイトをチェックしていたら、ちょうどこの時のＨＭＶで作ったというレコードが来月オークションにかけられるという記事を見つけました。

なんというシンクロニシティ。これは取り上げるしかないでしょうということで記事を抄訳してみました。



超レアなビートルズの78回転レコードがオークションに
（Super-Rare Beatles 78 Up For Auction）



ビートルズが英国でブレイクする以前にカットされた78回転のアセテート盤が来月オークションに出品されます。

レーベルに手書きされたブライアン・エプスタインによるクレジットはポール・マッカートニーとビートルズによる「ティル・ゼア・ウォズ・ユー」。レコードは3月22日にリバプールから20マイル西にあるワーリントンのオメガ・オークションにかけられます。オークションの模様はオンラインで世界に配信されます。



ビートルズはメレディス・ウィルソンの1950年発表の「ティル・ゼア・ウォズ・ユー」を1963年7月に2ndアルバム『ウィズ・ザ・ビートルズ』のためにアビーロード・スタジオで録音しています。しかし、今回の初期バージョンはロンドンのオックスフォード通りにあったレコード店ＨＭＶで作られたものです。ＨＭＶは当時ＥＭＩの傘下で店内に小さなレコーディング・スタジオがあり、料金を払えば一般客もレコーディングが出来ました。



1962年初頭、ビートルズはデッカでのオーディションに失敗し、エプスタインは契約を求めてロンドンにいました。彼はＨＭＶへ行きデッカでのデモ・テープを数枚のアセテート盤にしました。オープン・リールに録音されたデモの中に「ティル・ゼア・ウォズ・ユー」も含まれていました。

ＨＭＶのカッティング技師はジム・フォイで、彼はビートルズのことを出版者であるシド・コールマンに報告し、シドはアビーロード・スタジオのプロデューサーのジョージ・マーティンに報告、それによってマーティンはビートルズのレコーディング・テストを決意し、ＥＭＩとの契約に至ります。

ディスク自体は何十年もジェリー＆ザ・ペースメイカーズのキーボード奏者であった、レス・マグワイアによって所有されていました。マーティンがエプスタインに返却した後でマグワイアに与えられ、紙に包装され屋根裏に何年間も注意深く保存されていました。

「私はメモラヴィアには関心なかったけど、みんなはそうじゃないみたいだね」と74歳のマグワイアは言います。「会計士試験に合格後に家を買おうと思っている孫娘にレコードを渡すよりは、それを売ってお金を残した方がね。」

レコードはオークションで最低でも1万ポンドの値が付くでしょう。ビートルズ研究家のマーク・ルイソンは「ビートルズの中で最も希少で最も収集価値のあるレコード」のひとつであると記しています。


「ティル・ゼア・ウォズ・ユー」のアセテートを聴いてジョージ・マーティンがビートルズの才能に目をつけたのか、というのは微妙な気もします。デッカ・テープは15曲録っていますから、「ティル・ゼア・ワズ・ユー」の他にも何枚かのアセテートがあったでしょうから、何曲か聴いて総合的に判断したとは思います。それでも、やはり、このレコードがビートルズが世に出るきっかけになったというのは間違いのないことで確かに非常に貴重な1枚でしょう。

つい先日、リンゴが所有していたシリアル・ナンバー1の『ホワイト・アルバム』が日本円にして約１億で落札されたことがニュースとなっていましたが、今回の予測は最低で1万ポンドって約１６０万・・・安くない？開始価格ってことか？



おまけ



デッカ・テープを聴いても思うのですが、ジョンの場合はテクニックだなんだ言う前に歌声なんですね。

ノーザン・ソングス 誰がビートルズの林檎をかじったのか/ブライアン・サウソール


前回でも取り上げた「ノーザン・ソングス」をようやく読了しました。面白かった。著作権がらみの用語が出てくるので、すぐには理解できなかったりするところもありますが、ビートルズのデビューから2006年現在までのビートルズ楽曲の所有者がどのように変わっていったかがほぼ分かったつもりになりました。

著作権というものをあまり考えたことのない方（僕もたいして変わりませんが）には理解しがたい事かもしれませんが、例えばポール・マッカートニーが自分のニュー・アルバムの特典ディスクで自身が「イエスタデイ」を弾き語るライヴ映像を収録しようと思った時には、現在であればソニーＡＴＶという出版社に申請をし許諾を受けて使用料を払わねばならない。自分が（クレジットはレノン＝マッカートニーですが実際は100％ポール作詞作曲）作った曲でありながら、自分で勝手には使えないというなんだか変なこと（法律上何ら変ではないのですが）になっています。



突然　僕はいままでの僕じゃなくなった
暗い影が僕の上にかぶさった
あぁ昨日のことさ　突然に


なぜ、こういうことになるかというと、楽曲を作ったポール自身はその曲がＣＤになったり映像作品なったりした時や、その曲がＴＶＣＭや映画のサントラで使われたとき、また他のアーチストによってカバーされた時などに発生する印税を手にすることができるのですが、どこでどのようにその楽曲が使われているのかを管理することは個人では不可能です。そのためその楽曲の権利（著作権）を音楽出版社に譲渡して管理をしてもらいます。

でビートルズの場合はというと、ホント大雑把にレノン＝マッカートニー楽曲を誰が管理しているかをたどると以下のようなものになります。

最初のシングルである「ラヴ・ミー・ドゥ/ＰＳ．アイ・ラヴ・ユー」は販売元であるＥＭＩ系の出版社アードモア＆ビーチウッドの管理となっていますが、次のシングル「プリーズ・プリーズ・ミー/アスク・ミー・ホワイ」は元シンガーのディック・ジェイムズの出版社ディック・ジェイムズ・ミュージック（ＤＪＭ、どこかで聞いたことありますね）に預けられます。

ジェイムズが楽曲を管理するにあたり作った出版社が「ノーザン・ソングス」でした。「ノーザン・ソングス」の株式はジェイムズが50％、残りの50％とエプスタインとレノン、マッカートニーが持つことになります。印税の分配はレノン＝マッカートニーが50％で「ノーザン・ソングス」が50％。この段階では楽曲はまだ「自分たちのもの」でした。

英国の高額所得者に対する90％以上の課税に対する対策として「ノーザン・ソングス」の株式公開が行なわれます。

「ノーザン・ソングス」で一儲けしたジェイムズですが69年には解散がささやかれだすと「ノーザン・ソングス」に価値がなくなるのではないかという不安から「ノーザン・ソング」の株式の3％を保有していたＡＴＶ（アソシエィテッド・テレヴィジョン）というＴＶ放送局に株を売ってしまいます。ＡＴＶはさらに株を買い占め、対するレノン＝マッカートニーもマネジャーのアラン・クラインに全権を託して抵抗しますが、最終的に株の獲得が難しいと踏んだクラインはレノン＝マッカートニーのために（？）ジェイムズの株譲渡額の倍の金額で二人の株をＡＴＶに売却してしまいます。



大学でたって　金はすっからかん
未来は見通せず　家賃も払えない
有り金は全部消えちまった
どうすりゃいいんだ・・・・


こうしてＡＴＶは「ノーザン・ソングス」の経営権を獲得、レノン＝マッカートニーの楽曲の管理は作家本人の手を離れてしまいます。もちろん著作印税は入ってきます（全印税の50％を二人で分配）が、楽曲の使用について管理する権限がないということです。

その後、ＡＴＶの親会社であるＡＣＣ（アソシエィテッド・コミュニケーションズ・コーポレーション）が80年に出資した大作映画「レイズ・ザ・タイタニック」の大失敗により会社の業績は低迷しいつ沈没してもおかしくない状態に陥り、ＡＣＣは81年7月に株の過半数を収得したオーストラリアの成金ロバート・ホームズ・ア・コートの手にわたり、自動的にＡＴＶもホームズ・ア・コートが所有するものとなります。

ホームズ・ア・コートは「ノーザン・ソングス」を含むＡＴＶ音楽出版部門が管理する楽曲をＡＴＶから切り離したうえで85年8月マイケル・ジャクソンに4750万ドルで売却。アルバム『スリラー』などの大ヒットで巨額の富を得て、有効な活用を模索していたマイケルに楽曲の著作権を買うことの有効性を友人として説いたのは他ならぬポール・マッカートニーで、ポールからするとマイケルの「ノーザン・ソングス」楽曲の買収は「飼い犬に手を噛まれる」ようなものでした。

ＡＴＶ楽曲の権利を手にしたマイケルはその管理を自身の契約先のＣＢＳレコードの出版部門ＣＢＳソングスに受託しますが、そのＣＢＳソングスをＳＢＫエンタティンメントが買収し、さらにＳＢＫが88年にＥＭＩに買収されることでビートルズの楽曲の管理はＥＭＩのものになります。ＣＢＳレコードも88年にはＳＯＮＹに買収されソニー・レコードとなります。

いったんはソニーとの契約を解消しようとしたマイケルでしたが、破格な条件を提示したソニーと再契約、その後95年にマイケルの持つＡＴＶとソニーの持つ出版資産を合体させマイケルとソニーが50％ずつの株式を持ち合う合弁会社「ソニーＡＴＶ」が発足されます。これにより、ソニーはビートルズ音源の管理を行うことになります。この際に数年前にすでに有名無実化していた「ノーザン・ソングス」という会社名は消滅しています。一部の楽曲を除くほぼすべてのレノン＝マッカートニーによるビートルズ楽曲の出版社の正式クレジットは「ソニーＡＴＶミュージック・パブリッシング」となります。

その後もマイケル様々なゴシップなどで最盛期の人気はなくなり、ネバーランドの維持など増え続ける出費のため窮地に陥ったマイケルですが、2006年4月にソニーはマイケルの2億7千万ドルの債務を保証する見返りとして「ソニーＡＴＶ」の経営権とマイケル保有の株の50％の株式（全体としては25％分）を優先的に購入する権利を得ているとされています。つまりソニーはその気になれば「ソニーＡＴＶ」の75％の株を保有できるということで、実質的にレノン＝マッカートニーの楽曲のほぼ全てはソニーが持っているということになっているようです。



「ノーザン・ソング」って歌を聴いて
ぼくたちビートルズのハーモニーが
ちょっぴり陰気で音も外れてると思うなら
そいつは違うんだな
だって、誰もいないんだぜ
ビートルズはそこには誰もいないんだ・・・


本を読んでいて一番面白いというか、こういうことがあるから事実は小説よりも奇なりなんていうだろうなと思った場面があります。それはマイケルが持つビートルズの楽曲をソニーがなんとか自分たちのものにもしようとした時に交渉の中心にたったのがリチャード・ロウというソニー重役だったということ。

＞「他のソニーの重役たちもニューヨークに行って彼と対面したがっていたと思うが、彼の宿泊先のホテルのスイートに夜の十一時半にいたのは私だけだった。マイケル・ジャクソンと彼の弁護士に対して、私がひとりきりで膝を交えるというのは、人生の中での栄光の瞬間だったよ。
　ビートルズの楽曲を持っているというのは彼にとってとても大切なことだった。私は身の引き締まる思いで座っていた。」とロウはいう。
　「その晩は彼の歌に対する思い、出版ビジネスにかける意気込みを聞かせてもらった。ＥＭＩより大きくなりたい。それがあの晩、彼が口にした最終目標だったよ。『僕はＥＭＩよりビッグになりたいんだ。音楽出版でナンバー・ワンになりたい。』と言っていた。

　ジャクソンが歌とポピュラー音楽の歴史について語ってるうちに、ロウの父親の話題になり、ビートルズを却下しブライアン・プールと契約した話になった。

　「どうやら例のエピソードを知ってたみたいなんだ、ブライアン・プールの初ヒット「ドゥー・ユー・ラヴ・ミー」のことを話してるうちに彼はあの曲を歌い始めた。
　私はもう腰がぬけそうになった。一介の会社員に過ぎない私がいるホテルの一室で、マイケル・ジャクソンが「ドゥー・ユー・ラヴ・ミー」を唄っている。それがまた素晴らしい歌いっぷりで。」




僕は　今　踊りだしたい気分さ


そうリチャード・ロウは「ビートルズを蹴った男」としてロック史に汚名を残すデッカの重役ディック・ロウの息子だったのです。全ては結果論でしかないのですが（だって「ラヴ・ミー・ドゥー」よりは「ドゥー・ユー・ラヴ・ミー」でしょ）、ビートルズをものにできなかった男の息子が33年後にニューヨークでビートルズ楽曲をものにしている、まさに「江戸の仇を長崎でうつ」っていう浪花節的エピソード。泣けてきます(笑)